Winterbach, 28.3.2026

Der Ex-Genesis Sänger mit seiner Band rockt die Halle

Der schottische Rocksänger Ray Wilson war mit seiner Band zu Gast in der Lehenbachhalle in Winterbach.

Nach dem Ausstieg des Leadsängers Phil Collins im Jahr 1996 wurde der Sänger für Genesis engagiert. Mit den beiden Bandmitgliedern Mike Rutherford und Tony Banks nahm er 1997 das Album Calling All Stations auf.

In der ausverkauften Lehenbachhalle sorgt er mit seiner Band gute zwei Stunden für Bombenstimmung mit Hits wie „Land of Confusion“, „Carpet Crawler“, „Sollsbury Hill“, „In the Air Tonight“ und eigenen Songs.

Ein Abend der wieder zeigt, das Konzept der Winterbacher Rockinitiative funktioniert und hoffentlich sehen wir noch viele große Acts im Remstal, das dies gelingt wünschen wir Steffen Clauss und seinen unermüdlichen Helfern von Herzen.

Text und Fotos Harald Kümmel

Hier gehts direkt zur Kulturinitiative Rock in Winterbach

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Miles Davis Festival Band
Ralf Hesse – Trompete
Tilman Jäger – Piano
Magnus Mehl – Alt-Saxophon
Yaron Stavi – Kontrabass
Ferenc Mehl – Schlagzeug

Sindelfingen, 25.4.2026

Elektric-Miles bei den Sindelfinger Jazztagen

Einmal mehr konnte die STB Big Band die Sindelfinger Stadthalle füllen. Diesmal im Rahmen der Sindelfinger Jazztage, die am Sonntag zuende gingen. Als Sahnestückchen ergänzte die Miles Davis Festival Band den musikalischen Genuss

Miles Davis und Bigband, das ginge nicht so unbedingt zusammen, ließ STB Big Band- Leader Magnus Mehl am Samstagabend zu Beginn der Veranstaltung wissen. Schließlich war die stilprägende Trompeten – Koryphäe, die in diesem Jahr 100 geworden wäre, nicht unbedingt für das Musizieren in größeren Formationen bekannt. Da Mehl auch Teil der Festival Band ist, die zum Hundertsten zusammenfand, lag es dennoch auf der Hand, diesen Abend mit der 18 Musiker-starken Bigband und dem Festival Quintett zu verbinden. Dieses hatte bereits eine Woche zuvor den Württemberg Saal der Böblinger Kongresshalle bis auf den letzten Platz gefüllt; allerdings mit einer Stückeauswahl aus Davis‘ akustischer Epoche in den 60er Jahren. In der Stadthalle war dann der „Electric Miles“ ab den 70ern dran.

Davis war 1964 in Sindelfingen und 1971 in Böblingen zu Gast. Grund genug, seine Werke zum Jubiläum an diesen Orten wieder aufleben zu lassen. Mehr über diese Zeit, in der Sindelfingen und Böblingen sozusagen den Südwesten rockten, ist im Buch „Von Abba bis Zappa“ von Christoph Wagner nachzulesen. Der Autor selbst war am 17. April in der Kongresshalle, wie auch beim „Electric Miles“-Abend in der Stadthalle anwesend und sprach einführende Worte.

Die STB Big Band in gewohnter Klasse mit einer überragenden Vokal-Perle

Doch zunächst erschien die STB Big Band auf der Bühne, um mit Count Basie, einem typischen Bigband-Komponisten, den Abend zu eröffnen. Gastsängerin Laureen Moro setzte mit „Almost Like Being In Love“ mit ihrer bestechenden Stimme dem Bigband Sound die Krone aufsetzte. „I wish You Love“ und weitere Klassiker für Stimme und Bigband sollten folgen, inklusive ein Latin Groove, bei dem Moro besonders glänzte. Und schließlich dann doch noch ein Miles Davis: „All Blues“ aus dem legendären „Kind Of Blue“- Album, von Peter Herbolzheimer für Bigband arrangiert.

Als Solisten der Bläser-Sections taten sich Sven Fisch (Trompete), die Saxofonisten Oliver Guhl, Alexander Förschner und Roman Ording besonders hervor, sowie Christian Klemme (Posaune). Die anspruchsvollen Stücke wurden solide getragen von der Rhythmusgruppe mit dem Schlagzeuger Ralf Püpcke, dem Bassisten Dietmar Lang, sowie Claus Regelmann (Gitarre) und Gunter Maag (Piano). Eine Zugabe konnte allerdings nicht gegeben werden, da die Festival-Band bereits mit den Hufen scharrte. Mehl vertröstete das Publikum damit, dass am Ende des Abends noch etwas zu erwarten wäre.

Die Miles Davis Festival Band hat Spaß an der Elektonik

Nach Christoph Wagners Anmoderation der zweiten Halbzeit mit wissenswerten musikgeschichtlichen Details, durften Tilman Jäger (Stage Piano und Flügel), Ralf Hesse (Trompete), Yaron Stavi (E-Bass) Ferenc Mehl (Schlagzeug) und dessen Bruder Magnus Mehl (Altsaxofon) endlich aus den Startlöchern. Cyndi Lauper’s „Time After Time“ nahm 1985 auch Miles Davis auf und diente als Auftakt für fünf weitere Stücke aus der electric Ära, wie „Tutu“, „Eighty One“, „Jean Pierre“, „Human Nature“ und „Four“.

Im Gegensatz zum Kongresshallenkonzert vor einer Woche mutete es ziemlich außergewöhnlich an, Jäger am Nord Stage 2-Piano sitzen zu sehen und Stavi mit umgehängtem E-Bass. Beide hatten jedoch sichtlich Freude daran, mit den elektrischen Möglichkeiten ihrer Instrumente zu spielen und sich in Modal-, Cool- und Fusion Jazz zu suhlen, Jazz-Genres die den Interpreten viel Freiheit lassen. Besonders Magnus Mehl, der Landesjazzpreisträger 2015 zeigte einmal mehr welch brillanter Saxofonist er ist.

Volle Kapelle zum Schluss

Nach den äußerst gelungenen Vorträgen des Quintetts gab’s nochmal versprochene „volle Kapelle“ zusammen mit der STB Big Band und dem Jaco Patorius Stück „Chicken“. Ein wilder Hühnerhaufen war das gewiss nicht, der den bunten Abend genüsslich beendete. Die Protagonisten boten das, was guten Jazz ausmacht: Improvisation, Spielfreude und Lust auf mehr.

Fotos und Text Bernd Epple

Portraits von Tilman Jäger

Portraits von Ralf Hesse

Portraits von Magnus Mehl

Portraits von Ferenc Mehl

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Teil 1: Die frühen Jahre von Miles (1945–1960)

Vorbemerkung:

 Miles Davis zählt zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Persönlichkeiten der Jazzgeschichte. Als Trompeter, Flügelhornist, Bandleader und Komponist prägte er den modernen Jazz über Jahrzehnte hinweg. Bereits in den ersten 15 Jahren seiner Karriere wirkte er an mehreren entscheidenden Entwicklungen mit: am Bebop, am Cool Jazz, am Hard Bop, am Modal Jazz und an groß angelegten orchestralen Projekten.

Die nachstehenden Ausführungen basieren auf Manuskripten, die der Autor für zwei Jazzsendungen des Radiosenders Radio 700  schrieb. Diese wurden überarbeitet und ausführlich ergänzt. Der erste Teil dieser Artikel-Trilogie zeichnet seinen Weg von den New Yorker Anfangsjahren über „Birth of the Cool“ und „Kind of Blue“ bis hin zu „Sketches of Spain“. Der zweite Teil beleuchtet die sechziger Jahre bis 1991, der dritte behandelt Miles musikalische Beiträge zu Filmen und seine Mitwirkung in Filmen.

Die Anfänge von Miles Davis

Miles Davis wurde 1926 in Alton, Illinois, geboren und starb 1991 in Santa Monica, Kalifornien. Er entstammte einer wohlhabenden, musikbegeisterten Familie der afroamerikanischen Mittelschicht. 1944 begann er ein Studium an der renommierten Juilliard School in New York. Doch schon bald zog es ihn stärker in die Jazzclubs der Stadt als in den akademischen Lehrbetrieb. In seiner Autobiografie „Miles“ beschreibt Davis, dass eine seiner Zielsetzungen darin bestand, Charlie Parker und Dizzy Gillespie zu finden, um mit ihnen zu spielen. Bei seiner Suche traf er auf Musiker wie Coleman Hawkins, Jimmy Cobb, Thelonious Monk und Dexter Gordon.

1945 engagierte Parker den jungen Trompeter für sein Bebop-Ensemble. Dies wurde seine eigentliche Lernphase im Jazz. Parallel dazu arbeitete Davis bereits als eine Art Freelancer, unter anderem mit Lester Young, Benny Carter, Art Blakey, Billy Eckstine oder Sonny Stitt. Zwischen 1945 und 1948 entstanden zudem mehrere Platten unter dem Titel „The Complete Charlie Parker Vol. 1 bis Vol. 5“; u. a. sind folgende Einzeltitel interessant: „Now’s the Time”, „Ko-Ko”, „Billie’s Bounce”, „Hot House” oder „Blues for Alice”. Doch so eindrucksvoll die Bebop-Ära auch war: Schon früh zeigte sich, dass Davis sich nicht dauerhaft an die stilistischen Mittel des Bebop binden würde. Er suchte nach einer anderen Klangvorstellung.

Miles Davis und der Cool Jazz

 Im Jahr 1948 gelang Miles Davis der entscheidende Schritt: Mit der Gründung eines kurzlebigen Nontetts: Miles Davis & His Tuba Band löste er sich aus der Umklammerung des Bebop. Zum Kern des Ensembles gehörten unter anderem Lee Konitz, John Lewis, Gerry Mulligan und Max Roach. Zum ersten Mal arbeitete Miles mit dem Arrangeur und Komponisten Gil Evans zusammen. Kritiker nennen die Radio-Aufnahmen die Geburtsstunde des Cool Jazz.  Die genannte Partnerschaft sollte in den folgenden Jahren zu einem der prägendsten Kapitel seiner Karriere werden.

Miles schreibt in seinen Memoiren, dass die Zusammenarbeit mit Evans ihn dazu brachte, verstärkt Kompositionen zu schreiben. So entstand 1949/1950 das bahnbrechende Album „Birth of the Cool“. Reiz und Wirkung dieses Werks liegen vor allem in seiner andersartigen Instrumentierung, deren Grundlage die Tuba-Band geschaffen hatte. Im Vergleich zum Bebop wirkt die Musik weniger hart und weniger gehetzt. Das Zusammentreffen von Gil Evans als Arrangeur und Miles Davis als Improvisator bezeichnet der deutsche Jazzkritiker Joachim E. Berendt als einen der größten Glücksfälle der Jazzgeschichte. In den fünfziger Jahren experimentierte Davis dann weiter – mit Sextett-, Quintett- und Quartettbesetzungen. Viele jüngere Jazzer fanden in diesen Formationen  den Anschluss an die Szene und entwickelten sich dabei zu späteren Jazz-Stars.

Plattencover „Birth of the Cool”

Die fünfziger Jahre: Aufbruch, Bewährung, Neuausrichtung

 Anfang der 1950er Jahre hatte sich Miles Davis durch seine Zusammenarbeit mit John Coltrane, Sonny Rollins, Coleman Hawkins oder Oscar Pettiford längst den Ehrentitel „The King of the Cool“ erarbeitet. Eine triumphale Europatournee im Jahr 1949 setzte dem Ganzen die Krone auf. Doch während sein Ruf wuchs, war die Lage in seinem Alltag nicht immer stabil. Von Anfang bis Mitte der fünfziger Jahre arbeitete Davis überwiegend ohne feste Band. Er geriet in dieser Zeit in  Kontakt mit Rauschmitteln, wie seiner Autobiographie zu entnehmen ist. Zeitgenossen berichten über cholerische Ausbrüche während Studioaufnahmen. 1955 trat er mit einem Quintett beim Newport Jazz Festival auf. Dieses Konzert gilt bis heute als einer der wichtigsten Momente in der Jazzgeschichte: Es bedeutete für Davis ein Comeback, nach einer Phase persönlicher und beruflicher Schwierigkeiten. Kurz darauf wählte ihn das Magazin „Down Beat“ zum Trompeter des Jahres 1955.

Im Herbst 1955 gründete Miles Davis ein Quintett, das neue Maßstäbe setzte. Bei seiner Plattenfirma Columbia nahm er das Album „Round About Midnight“ auf. Neben John Coltrane gehörten Philly Joe Jones – oftmals beschrieben als „rhythmischer Hexenmeister des Hardbop“ –  Red Garland am Klavier und Paul Chambers am Bass zum Ensemble. Erste Anklänge an Modal Jazz sind zu hören. Jedes Thema der Platte ist wohlbekannt und in vielen Versionen tausendfach gespielt worden. Ideenreichtum, dunkler, melancholisch-wehmütiger Klang und spannende Improvisationen macht dieses Werk einmalig.

Das modale Maß aller Dinge

Miles war 1955 zu dem Label  Columbia gewechselt. Jetzt konnte er sich auf die finanzielle Stabilität bei der Plattenfirma stützen, wobei Columbia als Hintergrund und als Raum für größere Pläne diente. Mit seinem Sextett in der Besetzung John Coltrane (Tenorsaxophon), Cannonball Adderley (Altsaxophon), Bill Evans (Klavier), Paul Chambers (Bass) und Jimmy Cobb (Schlagzeug) nahm Miles schließlich das bahnbrechende Modal-Jazz-Album „Kind of Blue“ auf. Stücke wie „So What“ oder „Blue in Green“ prägen bis heute den Klang dieser Platte. Gil Evans war u. a. an dieser Platte als Ideengeber  beteiligt. Wie schon in früheren gemeinsamen Arbeiten war deutlich geworden, worauf es Davis ankam: auf Klangfarben, auf Spannung, auf weite musikalische Räume. Im Prinzip kann man diese Platte als vom Ansatz her verwandt mit der Filmmusik   „Ascenseur pour l’ échafaud“ betrachten. Wir kommen in Teil 3 auf dieses  Werk zurück.

Ein weiteres Meisterwerk von Miles und Gil Evans erschien 1959. Hier hatte der Arrangeur 15 Motive aus Gershwins Oper „Porgy and Bess“ ausgewählt und arrangiert. Wieder lautete die Einschätzung eines Kritikers ähnlich: „Gil Evans realisierte ein seltenes Spannungsfeld zwischen Komposition und Improvisation mit märchenhaften Klangfarben“. 1960 folgte „Sketches of Spain“. Hier erreichte die Zusammenarbeit zwischen Miles Davis und Gil Evans eine besondere Intensität. Gil Evans verbindet spanischen Folklore mit Modal-Jazz-Elementen. Besonders das Stück „Concerto for Aranjuez“ ist Kult in der Jazz-Gemeinde. Das Album lässt sich bis heute kaum in einfache Kategorien pressen: Es ist Jazz, es ist Klangmalerei, es ist orchestrale Erzählkunst. Über allem aber steht dieses unverwechselbare Spiel von Miles, das kontrolliert, zurückhaltend und manchmal fast einsam klingt.

Quellen

Miles Davis/Quincy Troupe: Miles Davis – Die Autobiographie, Hoffmann u. Campe, 1. Auflage 1990
George Cole: The Last Miles – The Music of Miles Davis 1980 – 1991, Equinox Publishing Ltd., 2006
Jacques Ferrandez: Miles Davis, Editions Bdmusic 2010
Stefan Hentz: Miles Davis – Sound eines Lebens, Reclam Verlag 2026
Peter Wießmüller: Miles Davis – Sein Leben, Seine Musik, Seine Schallplatten, Oreos Verlag, 2. Auflage 1988
Mike Dibb: The Miles Davis Story, DVD 2002 (BBC Dokumentation)
Jazz im Film SendemanuskriptMilesDavisTeil1.pdf
Jazz im Film SendemanuskriptMilesDavisTeil2.pdf
Wikipedia

Teil 2 und 3 folgen

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Alma Naidu (voc, keys)
Ferdinand Kirner (git)
Florian Stierstorfer (b)
Valentin Renner (dr)

Stuttgart, 17.4.2026

Poetische zarte Elegie trifft fein intonierten Jazzgesang

Jazzschlagzeuger entdeckt den „Seelengesang“

Als der renommierte deutsche Schlagzeuger Wolfgang Haffner, bei einer Jamsession 2019 in Burghausen, eine junge Sängerin hörte, die in ihrer ganz eigenen Art und Weise den Jazzklassiker „My funny Valentine“ interpretierte, fühlte er sich wohl, so kann man nur vermuten, tief in seiner Seele berührt. Dies hatte zur Folge, dass er die junge Sängerin Alma Naidu vom Fleck weg engagierte, mit auf Tour und mit ins Plattenstudio nahm. Kein Wunder, heißt doch Alma wörtlich übersetzt Seele. Inzwischen wird sie von diversen Jazzkritikern als „eine der vielversprechendsten Sängerinnen der deutschen Szene“ bezeichnet. Aufgewachsen ist Naidu umgeben von klassischem Musik – ihre Mutter ist Kammersängerin ihr Vater Dirigent.  Klavier- und Geigenunterricht, später Tanz und Musicalgesang gehörten wie das Gitarrenspiel und eine Vorliebe für die Hardrock-Band „Metallica” zu Alma Naidus breitgefächerter, musikalischer Sozialisation.

Von Folk und Soul inspirierter „Songwriter-Jazz“

Mit einem Jahr Verspätung findet an diesem Aben im BIX das „Release-Konzert“ ihres Albums „Redefine“ statt, dass 2025 erschien. Naidu, die in den letzten Jahren schön öfters im Stuttgarter Jazzclub zu Gast war, präsentiert an diesem Abend wieder eine feinfühlige Mischung eigener poetischer Kompositionen und swingende, manchmal auch ganz leicht rockende Coverversionen anderer Komponisten und Bands. Die Bandbreite erstreckt sich von intimen Solostücken nur mit Stimme und Klavier, bis hin zu Songs in ihrer klassischen Bandbesetzung, die eine große Intensität besitzen und voller musikalischer Vielfalt und inhaltlicher Tiefe sind. Es geht um Liebe, Freundschaft, inneres Wachstum sowie das Hinterfragen von Rollenbildern und um Gleichberechtigung.

Die ersten Songs sind schwebend, ruhig und leicht konsumierbar, von Jazz ist da vorerst nichts zu hören. Gefällige und leichte musikalische Kost, schön konzipierte Stücke, die an einem Freitag Abend perfekt zu einem Glas Rotwein passen. „Ich habe immer schon am Klavier improvisiert und gesungen und gerne auf der Bühne gestanden“, erzählt sie. „Aber vom Jazz war ich zunächst noch recht weit entfernt“, was im ersten Teil des Abend durchaus nachvollziehbar und hörbar ist.

Metallica und der poetische Schöngesang im Zwiegespräch

Als sie ihre Affinität zu der Band Metallica beschreibt und eine rockige Coverversion eines Songs der Band ankündigt, wartet man gespannt, wie sich das denn nun mit dem poetischen Schöngesang Naidus verträgt. Naja, bis zu dem einminütigen Gitarrensolo ist da von Rock nix zu hören, ist das Ganze doch eher zu einer feingliedrigen Ballade mit minimalen rockigen Anklängen abgedriftet, was der Qualität aber keinen Abbruch tut. Die Sängerin hat eine äußerst sympathische und angenehme Ausstrahlung, kein Wunder, dass sie die Zuhörer im ausverkauften BIX bei ihrem Song „Another kind of Love“ zum Mitsingen problemlos animieren kann. Baden Württemberg sei ja eh das „Land der Chöre“ meint sie, was sich dann innerhalb der nächsten Minuten auch irgendwie bestätigt. Die Band agiert relativ unauffällig, ist aber perfekt und variabel in der Instrumentierung der Songs. Bei dem von ihr komponierten „Volkslied“ Walberla, kann sich Valentin Renner am Drumset mal etwas in den Vordergrund spielen, sind doch die Rhythmen mit der Dynamik eines mittelalterlichen Sounds verknüpft. Auch die virtuose Stimme Naidus erklimmt jetzt hier erstmals sopranistische Höhen, was durchaus auf eine stimmlich sehr gute Ausbildung schließen lässt.

Und dann kommt der Jazz dann doch noch um die Ecke

Nach der Pause wandelt sich der Sound vor der leicht konsumierbaren luftigen musikalischen Kost in einen Steigerungslauf der Virtuosität aller Beteiligten. Die Themen der Songs werden kritischer die Instrumentierung unkonventioneller und die Sängerin zieht alle Register ihres gesanglichen Könnens. Ihre Technik beinhalten Fragmente afrikanischer Vokalakrobatik sowie indischen Volksgesang. Es ist eindrucksvoll wie ihre Stimme beschwörend und mit Wut beispielsweise das Unrecht, das Frauen auf der ganzen Welt widerfährt, anprangert. Und dann kommt der Jazz dann doch noch um die Ecke geschlichen, denn wir sind ja in einem Jazzclub meint sie, dann werden wir mal alle zusammen ein wenig “scaten“. Auch diese Form der Vokalimprovisation, in der lautmalerisch bedeutungslose Silben aneinandergereiht werden um dann wie ein Instrument zu klingen, beherrscht die Sängerin perfekt.

Auch das sattelfeste „Chorpublikum“ macht wieder bereitwillig mit und das nicht mal schlecht. Das letzte Stück der Setlist ist ein jazziger Steigerungslauf bei dem die Band dann doch nochmal richtig zeigen kann, welch großartige Musiker hier auf der Bühne stehen. Naidu feuert nochmals aberwitzige Töne ins Publikum, das restlos begeistert ist und mit einem „Love Song“ als Zugabe wieder beruhigt wird. Man wird an diesem Abend mit der Gewissheit entlassen eine „musikalische Begabung par exellence“ erlebt zu haben, die aller Wahrscheinlich noch eine erfolgreiche Karriere vor sich haben könnte. Die Chancen stehen gut für Alma Naidu.

Harald Kümmel

Portraits von Alma Naidu

Portraits von Valentin Renner

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George Benson ist mehr als ein Gitarrenvirtuose

Vorbemerkung: George Benson ist mehr als ein Gitarrenvirtuose: Er verbindet mühelos Eleganz, Wärme und Innovation zu einer unverwechselbaren Klangwelt. Wer seine Musik liebt, spürt sofort, wie seine musikalischen Ansätze und zugleich präzise Phrasierungen die Grenzen des Jazz neu definieren. Benson schafft es, komplexe Harmonien zugänglich zu machen, ohne jemals an Tiefe zu verlieren.

Der vorliegende Beitrag ist eine überarbeitete und erweiterte Version eines Rundfunk-Beitrags auf Radio 700 in der Sendung Jazz-Cocktail. Folgende Fragen wurden in der Sendung behandelt:  Wie entstand der einzigartige Stil, der die Gitarrenkunst von Charlie Christian und Wes Montgomery erkennbar aufgreift? Welche Entwicklungs-Schritte brachten ihn von den kleinen Clubs zu den internationalen Bühnen?

Die Anfangsjahre von George Benson

George Benson wurde 1943 in Pittsburgh in einem jazzgeprägten Umfeld geboren. Schon als Kind stand er zwischen 1950 und 1954 als „Little Georgie“ auf den Bühnen von Nachtclubs. Seine ersten Single-Aufnahmen präsentiert er im Alter von neun Jahren. In dieser Phase ist seine Musik geprägt von Gospel und Rhythm ’n’ Blues. Sein familiäres Umfeld und die gesellschaftlichen Bedingungen sind nicht einfach, doch er verfolgt seinen Weg mit großer Konsequenz.

In den sechziger Jahren beginnt seine eigentliche Karriere. Erste größere Aufmerksamkeit erhielt er als Gitarrist in der Band von Brother Jack McDuff. Der Gitarrenton von Benson war in dieser frühen Phase anders als in seinen späteren, stärker vom Pop geprägten Erfolgsjahren. Diese frühe Phase war geprägt von Soul Jazz, einer Jazzform, die Blues, Gospel, Rhythm ’n’ Blues und Hard Bop eng miteinander verbindet. Bensons Spiel wirkte damals erdig, zupackend und ungemein rhythmisch. Anstelle von glatter Eleganz stand oft der Groove im Vordergrund. Die Hammond-Orgel von Brother Jack McDuff gab der Musik dabei ihr charakteristisches Fundament: warm, kräftig, manchmal rau, aber immer voller Drive. Darüber entwickelte Benson Linien, die zugleich virtuos, bluesnah und melodisch pointiert waren.

1964 erscheint sein erstes Album als Bandleader. Es trägt den Titel „The New Boss Guitar“. Das Album ist ein reines Instrumentalwerk, das sich durch eine Mischung aus erdigen Blues-Elementen, swingendem Soul Jazz und lebhaftem Hard Bop auszeichnet. Schon hier zeigt sich Bensons enorme Bandbreite. Gefühlvolle Linien stehen neben komplexen Harmonien und schnellen Läufen.

Die sechziger und siebziger Jahre

Nach der Gründung seiner eigenen Gruppe wird diese von dem Produzenten John Hammond entdeckt. Hammond hat bereits Künstler wie Benny Goodman, Billie Holiday und Bob Dylan gefördert und erkennt auch in Benson ein außergewöhnliches Talent.

Für Columbia entstehen die Alben „Beyond Blue Horizon“ und „White Rabbit“. Sie verbinden Soul Jazz mit Elementen des Hard Bop. Gleichzeitig arbeitet Benson mit anderen Größen zusammen und ist unter anderem auf dem Album „Miles in the Sky“ von Miles Davis zu hören.

Ende der sechziger Jahre wechselt er zum Label Verve. Nach dem Tod von Wes Montgomery beginnt eine neue Phase seiner Karriere. Der Produzent Creed Taylor arbeitet mit ihm zunächst bei A & M und später bei CTI. Dort entstehen Aufnahmen mit größeren Besetzungen und aufwendigeren Arrangements.

In der Mitte der siebziger Jahre erreicht der Musiker schließlich ein großes Publikum. Sein Stil verbindet Jazz, Funk und Pop und spricht damit weit über die Jazzszene hinaus viele Hörer an. Neben seinem Gitarrenspiel überzeugt er auch als Sänger mit einer warmen und ausdrucksstarken Stimme. Diese Kombination bringt ihm zahlreiche Auszeichnungen ein.

Von den achtziger Jahren bis in die Gegenwart

Mit seinem Wechsel zu Warner Bros. erreicht George Benson Ende der siebziger Jahre endgültig ein Millionenpublikum. Sein Sound wird zugänglicher. Das Album „Breezin“ wird ein großer Erfolg und macht ihn auch außerhalb der Jazzwelt bekannt. Besonders der zweite Titel auf diesem Album, „This Masquerade“, zeigt, wie mühelos Benson Jazz, Soul und Pop miteinander verbindet.

In den folgenden Jahren öffnet er sich stärker für Pop und Rhythm ’n’ Blues. Ein Höhepunkt dieser Phase ist das von Quincy Jones produzierte Album „Give Me the Night“ aus dem Jahr 1980. Er verknüpft seine Jazz-Roots mit einem kommerzielleren, radiofreundlichen Format, das seine Virtuosität hörbar macht, ohne zu dominant zu wirken. Funkige Rhythmen, pulsierende Bässe und knappe, aber expressive Gitarren- und Gesangslinien prägen das Album.

Trotz dieses Erfolges bleibt der Jazz ein wichtiger Bestandteil seines Schaffens. Das zeigen Produktionen wie „Tenderly“ 1989 und „Big Boss Band“, bei denen seine Gitarre wieder stärker in den Mittelpunkt rückt. Überwiegend bekannte Jazz-Standards werden neu interpretiert. Jazz- Kämpen wie Al Foster, Mc Coy Tyner oder Ron Carter unterstützen ihn bei diesen Aufnahmen.

Love Remembers

Auch in den neunziger Jahren bleibt Benson präsent. Mit „Love Remembers“ erzielt er große Erfolge im Contemporary Jazz. Gleichzeitig widmet er sich immer wieder seinen musikalischen Vorbildern.

Gemeinsam mit Al Jarreau entsteht 2006 das Album „Givin’ It Up“, das ebenfalls große Beachtung findet. Das Album bringt zwei außergewöhnliche Stimmen und Gitarristen zusammen, deren Virtuosität und Gesang nahtlos harmonieren. Beide Künstler glänzen mit ausgeprägter Improvisationsfähigkeit, sowohl in Gesangslinien als auch in Gitarren- bzw. Instrumentalparts.

So entsteht 2013 auch ein Tribut-Album an Nat King Cole. Eine wichtige Inspirationsquelle ist für ihn der Sänger und Pianist. Gemeinsam mit dem Count Basie-Orchestra interpretiert er beispielsweise  Titel wie  „Walkin’ My Baby Back Home“ oder „Unforgettable“.

Im Jahr 2019 folgt mit „Walking to New Orleans“ ein Album, das von Fats Domino und Chuck Berry inspiriert ist. Benson übersetzt Blues-/Rockabilly-Einflüsse von Chuck Berry in seinen eigenen, jazzig-smoothen Ton. Das zeigt sich in einigen klaren, gitarrenbasierten Phrasen, die an Berrys treibende, handgezogene Leads erinnern.

Seine Offenheit für verschiedene Stilrichtungen zeigt sich auch in späteren Projekten. „Absolute Benson“ verbindet Jazz mit lateinamerikanischen Einflüssen. Das Album ist überwiegend instrumental (nur drei Gesangsstücke) und stellt Bensons bemerkenswerte Gitarrenvirtuosität in einem modernisierten Umfeld dar.

George Benson – Ein Resümee

George Benson hat sich im Laufe seiner langen Karriere immer wieder neu erfunden. Vom jungen Jazzgitarristen entwickelte er sich zu einem Künstler, der Jazz, Pop und Soul auf einzigartige Weise verbindet.

Über viele Jahrzehnte prägte er die internationale Musikszene mit seinem unverwechselbaren Stil. In den letzten Jahren ist er etwas seltener aufgetreten, bleibt aber eine prägende Figur der Musikgeschichte.

Eine besondere Veröffentlichung erschien im Jahr 2024. Das Album „Dreams Do Come True“ enthält Aufnahmen, die bereits Ende der achtziger Jahre entstanden sind und lange Zeit unveröffentlicht blieben. Sie zeigen George Benson noch einmal in einem eher klassischen Kontext mit Orchester.

Quellen:

George Benson / Alan Goldsher: Benson – The Autobiography. Da Capo Press 2014.

https://georgebenson.com, Webseite von George Benson mit vollständiger Diskografie

https://jazzimfilm.org/userfiles/file/downloads/Schlussmanuskript_George_Benson.pdf, Radio-Sendemanuskript mit Playlist zu George Benson auf Radio 700, Jazzcocktail vom 27.4.2026

Wikipedia

Ein Gastbeitrag von Klaus Huckert

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Gee Hye Lee – Piano
Joel Locher – Kontrabass
Silvio Morger – Schlagzeug
Jakob Bänsch – Trompete
Sandi Kuhn – Tenorsaxophon

Herrenberg, 29.3.2026

Die Sonne geht im Osten auf

…meint, dass die aus Seoul (Südkorea) stammende Pianistin Gee Hye Lee genau diese Strahlkraft innehat.

Der Herrenberger Jazz Frühling findet am 29. März mit dem Gee Hye Lee Trio und besonderen Gästen im Mauerwerk seinen runden Abschluss

Wie nicht anders zu erwarten, endete das gut einwöchige Jazzfestival von Jazzin‘ Herrenberg mit einem besonderen Leckerbissen, wenngleich auch die vorangegangenen Konzerte nicht minder spannend und hochwertig waren. Dem Veranstalter sei Dank für ein überaus gelungenes Festival.

Gee Hye Lee begann bereits im Alter von drei Jahren mit dem Klavierunterricht und erhielt früh mehrere Auszeichnungen als klassische Pianistin, bevor sie mit 16 Jahren vom klassischen Fach zum Jazz wechselte. An der Stuttgarter Musikhochschule und am Berklee College of Music erhielt sie schließlich den letzten Feinschliff und machte im Ländle schnell auf sich aufmerksam.

Plus zwei innovative Spielkameraden

Am Konzertabend hatte sie ihr Trio um zwei besonders innovative Spielkameraden ergänzt: Jakob Bänsch und Sandi Kuhn. Zusammen legten sie mit „Introduction & A Journey of Nonsense“ einen frischen Start hin, bei dem Bänsch und Kuhn gleich ihren wilden Unisono-Koffer öffneten und der Tenorsaxophonist schwebend in High Note-Lüfte abhob. „My Favourite Things“ kam in einer rhythmisch vertrackten Version mit einem Tenorsax, das und mit der Ballade „Sangee“ (Sandi und Gee) , geprägt von schönen Zweistimmigkeiten (Trompete und Tenorsax) wieder Bodenhaftung erlangte. „How High The Moon“ mit bebopartigen Unisono Licks wurde zur Spielwiese Bänsch‘s, der sich nach einer vorangegangenen langen Theaterhaus Jazztage -Nacht keinerlei Müdigkeit anmerken ließ und mit einem explosiven Solo glänzte. Danach hieß es erst mal „runterkommen“, was Lee mit einem lyrischen Piano-Solo, zwischen Verdichtungen und zarten Melodien atmend, mit „Encounters“ bestens gelang.

Korea here we come

„Korea here we come“ hieß es nach der Pause und die Besucher kamen ebenfalls zurück auf ihre Plätze, angelockt von gospelartigen Grooves. Ein weiteres Mal durfte sich Bänsch austoben, sehr zum Genuss aller Anwesenden! Nach einem á capella Tenorsax/Drum Solo jubilierte Kuhn abermals mit High Notes, die er spielerisch beherrscht wie nur wenige seiner Zunft. Nach dem Sturm muss Ruhe folgen oder wie in diesem Fall ein sehr melodisches Piano; in „Mannam“ flächig und intensiv zelebriert. „Seoul my Soul“ begann mit einem knackigen Trompetensolo, gefolgt von Piano, das die ganze Extraklasse ihrer Spielerin aufzeigte.

Nach der zärtlichen Ballade „Letter to her“, für die Mama in Korea geschrieben, ging es dem Ende des Konzertes entgegen. „For Today“ bot Raum für polyrhythmische Drum-Figuren und einen jubelnden Abschluss, der aufgrund der Zugabe natürlich noch keiner war. „Cottage On an Isle“ mit leisen Tönen war bestens für einen positiven Absacker geeignet, nach welchem die Besucher mit verklärter Mine den Ort des Geschehens verließen.

Text und Fotos Bernd Epple

Portraits von Gee Hye Lee

Portraits von Joel Locher

Portraits von Silvio Morger

Portraits von Jakob Bänsch

Portraits von Sandi Kuhn

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