Feuer, Country und Rock’n’Roll

The Boss Hoss verwandeln bei den KSK Music Open den Ehrenhof des Residenzschlosses Ludwigsburg in eine ausgelassene Open Air Party!

Wenn man über The Boss Hoss schreibt, fällt es leicht, in Cowboy-Metaphern zu verfallen. Auch ich habe das bei ehemaligen Berichten in der Vergangenheit schon getan, doch die Band ist beim genauen Blick eben mehr als das: Neben der Country-Thematik, die sie zweifelsohne perfektioniert haben, stehen The Boss Hoss für mich nämlich vor allem für eins: eine seit Jahren permanent hohe Qualität als Live-Band. Diese haben sie auch beim Konzert im Rahmen ihrer „Back to the Boots“ Tour bei den KSK Musik Open am 24. Juli in Ludwigsburg beeindruckend unter Beweis gestellt.

Die Band rund um die Frontmänner Alec Völkel und Sascha Vollmer alias „Boss Burns“ und „Hoss Power“ setzte vom ersten Song etwas in Bewegung, das mit dem Publikum resonierte: eine unbändige Live-Energie, die sich aus jahrelanger Erfahrung speist und auf echter Leidenschaft für ihre Musik fußt. Garniert mit humorvollen Ansagen und Interaktion mit dem Publikum, präsentierten sie das Beste ihrer vergangenen und aktuellen Hits. Egal ob Cover wie Willie Nelsons „On the Road Again” oder Outkasts „Hey Ya!”, mit dem sie Durchbruch feierten, oder Eigenkompositionen wie „Do It“, „Little Help“, „Don’t Gomme That“ oder „Back to The Boots“ – die Stimmung war konstant hoch.

Euphorische Stimmung

Die Cowboyhüte auf und vor der Bühne wogen sich mal schunkelnd, mal wild, und wenn zu Songs wie „Dos Bros“ oder „Baby Burn“ noch die imposante Pyrotechnik gezündet wurde, konnte sich niemand mehr der euphorischen Stimmung entziehen. Die für mich fast unvergleichliche Dynamik von The Boss Hoss-Konzerten hängt auch mit der beeindruckenden Mannstärke auf der Bühne zusammen. Insbesondere die hauseigene Bläserfraktion, die sich als Mariachi-Kombo harmonisch in den Sound der Band einfügt, macht die Live-Shows immer zum Erlebnis!

Die Erfolgsformel von The Boss Hoss: persönlich, professionell, passioniert

Auch bei den KSK Music Open gelang es The Boss Hoss einerseits eine offenkundig routinierte und höchst professionelle Bühnenshow zu zeigen und andererseits immer nahbar und authentisch zu wirken. Etwa wenn sie auf ein Benefizprojekt zugunsten eines Kindershospizes aufmerksam machten oder zu Dolly Partons „Jolene“ einen Fan zum Mitsingen auf die Bühne holten.

Eine Aktion, die sie auf ihrer aktuellen Tour eingeführt haben und die auch auf Social Media durchschlagenden Erfolg hatte. Denn auch das sind The Boss Hoss: Marketing-Profis und Kenner des Business, die verstanden haben, dass musikalische Qualität und Passion heute schon lange nicht mehr reichen. Ein Zeugnis davon sind auch Songs wie „I’ll be Back“, den sie zusammen mit Arnold Schwarzenegger aufgenommen haben. Auf den ersten Blick eine ungewöhnliche Kombination, ist es den Cowboys gelungen, den ikonischen Satz mit ihrer musikalischen DNA zu verbinden.

Mitten im Publikum

Als die beiden Frontmänner dann noch einige Songs mitten im Publikum spielten und damit bewusst nah für Fans außerhalb der teureren Front of Stage-Plätze, zeigte sich erneut, dass sie wissen, worauf es bei guten Live-Shows ankommt: die Verbindung zu den Fans und die Möglichkeit, Musik hautnah zu erleben und gemeinsam die Alltagssorgen für ein paar Stunden zu vergessen. Vor der atemberaubenden Kulisse des Residenzschlosses Ludwigsburg bei lauen Temperaturen war das an diesem Abend besonders gut möglich. Die Cowboys fühlten sich offenbar auch wohl und tauften es sogleich in „Schloss Hoss“ um.

Das Highlight wartete am Schluss: Bei ihrer Version von „Word Up!“ holten sie wie bei jedem Konzert mehrere weibliche Fans auf die Bühne, um gemeinsam den krönenden Abschluss zu feiern. Eine kollektive Party auf und vor der Bühne, bei der die Boots nochmal ordentlich zum Glühen gebracht wurden. The Boss Hoss haben gezeigt: Ihre Konzerte sind ein euphorisierender Ritt, den man einmal miterleben sollte! Okay, eine Cowboy-Metapher zum Schluss sei mir erlaubt.

Text und Fotos Jessica Wittmann-Naun

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Paul Schobel – Texte
Sandra Hartmann – Stimme
Carsten Netz – Saxophon/Klarinette/Querflöte
Uwe Lange – Bässe
Jogi Nestel – Schlagzeug/Perkussion
Jo Ambros – Gitarre/Komposition

Herrenberg, 22.3.2026

Jo Ambros‘ zuMUTung mit Texten von Paul Schobel beim Jazzin Herrenberg – Jazzfrühling 2026

Sich gegen das zu stellen, was Unmut verschafft erfordert folgerichtig MUT. Paul Schobel (Pfarrer i.R.), ein nimmermüder Kämpfer für Gerechtigkeit hat in Jo Ambros (Gitarren) einen Mitstreiter gefunden, der ebenfalls in der Lage ist einen politischen Blick auf gesellschaftliche Entwicklungen zu werfen und dies musikalisch umzusetzen

Bereits bei der Sindelfinger Biennale 2025 machte die Formation um Jo Ambros mit einem politischen Konzert auf sich aufmerksam (wir berichteten). Damals ohne die etatmäßige Sängerin und Rezitatorin Sandra Hartmann, die krankheitsbedingt absagen musste. In der Herrenberger Spitalkirche war sie mit am Start. Zahlreiche Konzertbesucher fanden sich dort am 22. März ein, um sie und einen der vielseitigsten Gitarristen des Landes, diesmal mit E-Gitarre, mit seiner Projektband zu erleben. Diese verstand es hervorragend die bissigen Texte Paul Schobels in Musik zu gießen. Poesie und Musik sozusagen.

Allerdings war das bei Weitem nicht nur gesprochene Lyrik mit Musikbegleitung, was die Vokalistin Sandra Hartmann beizusteuern hatte. Gestenreich, mit ausdrucksstarker Stimme rezitierte sie und gab facettenreich fulminante Gesangspassagen zum Besten, mit denen sie sich wohl intoniert in luftigen Höhen bewegte – oft unisono oder zweistimmig zu Carsten Netz‘ Woodwind-Ausflügen oder Jo Ambros‘ Gitarrenlicks vom Feinsten. Jogi Nestel bearbeitete sein Drumset, am Text orientiert, entweder mit Strohbesen oder Drumsticks, bisweilen unter Einsatz von metallischen Becken auf Snare oder Toms, die die Härte der kalten Arbeits- und Kriegswelt unterminierten. Zudem glänzte er mit einem frenetisch beklatschten Solo. Uwe Lange, der einfühlsame Bassist, strich oder zupfte; je nach Stimmung, seinen Kontrabass mal in bedrohlichen Tiefen, mal in hohen Lagen. Gegen Ende, als der Vortrag leichtfüßiger und harmonisch positiver wurde, kam dann auch der E-Bass zum Einsatz.

Die Komposition will gezielt wachrütteln und hält einer Gesellschaft den Spiegel vor, die sich politisch im Dämmerschlaf befindet. Friede, Arbeit, Solidarität und Kapitalismus sind die Themen, die Paul Schobel vorgab – gesellschaftliche Missstände dezidiert benannt und gleichzeitig eine Ermutigung, sich nicht mit dem Gegebenen abzufinden. Schobels Gedanken werden durch den passgenauen musikalischen Ausdruck noch verstärkt, sodass Gänsehautmomente geschaffen oder gar Tränendrüsen angeregt werden.

Es sind zwei Blutsverwandte

Schobel selbst, der als Zuhörer im Publikum saß, richtete im Verlauf des musikalischen Vortrags seine ermahnenden Worte an die Konzertbesucher: „Es sind zwei Blutsverwandte, die gegenwärtig die Menschheit terrorisieren:  Der eine der beiden Brüder hört auf den Namen „Krieg“, der andere nennt sich „Kapitalismus“. Beide tragen dieselben verkorksten Gene in ihrer DNA: Macht, Gewalt, Ausbeutung, Unterdrückung. Beide arbeiten als GmbH im „militärisch-industriellen Komplex“ eng miteinander zusammen“. Und weiter: „Politisch eine Null, löst der Krieg keine Probleme, sondern verschärft sie nur. Schon die Hochrüstung, die wir nun weltweit veranstalten, tötet ohne Krieg. Hunger, Leid und Elend nehmen zu. Es muss gelingen, den Krieg auszuhungern, ihm das Wasser abzugraben durch eine Kultur des Friedens in unserem Leben. Die Kriegstreiber da oben müssen erfahren, dass wir Konflikte gewaltfrei lösen können, und wir ihre Politik der Gewalt einfach nicht mehr mittragen. „Stell dir vor, es ist Krieg, und keiner geht hin“.

Sein Credo lautete; „Lasst uns lernen, unsere eigenen Konflikte friedlich zu lösen. Es ist einfach zu viel Gewalt in unseren Beziehungen. Krieg ist einfach hirnverbrannt, denn Probleme sind nicht mit Gewalt zu lösen. Mein zweiter Appell richtet sich an unsere Herzen: Sehen wir uns an, schenken wir uns Ansehen, nehmen wir Anteil aneinander. Und vor allem: Teilen wir miteinander!“.

Musik ist ein schönes Beispiel, was das Teilen anbelangt. Die Musiker teilen ihre Qualitäten miteinander, um das schöne große Ganze zu erschaffen. Im Idealfall will keiner seine Mitspieler in den Schatten stellen. Das ist dem Quintett hervorragend gelungen. Durch kompositorische Raffinesse und brillantes Zusammenspiel sind Missgunst, Zerstörung, Hass und Ausbeutung in weite Ferne gerückt, auch wenn diese Themen im Mittelpunkt des Vortrags standen. Am Ende blieb ein Gefühl der Zusammengehörigkeit und Gemeinschaft, sowie eine zuversichtliche Aufbruchsstimmung.

Text und Fotos Bernd Epple

Portraits von Jo Ambros

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Winterbach, 28.3.2026

Der Ex-Genesis Sänger mit seiner Band rockt die Halle

Der schottische Rocksänger Ray Wilson war mit seiner Band zu Gast in der Lehenbachhalle in Winterbach.

Nach dem Ausstieg des Leadsängers Phil Collins im Jahr 1996 wurde der Sänger für Genesis engagiert. Mit den beiden Bandmitgliedern Mike Rutherford und Tony Banks nahm er 1997 das Album Calling All Stations auf.

In der ausverkauften Lehenbachhalle sorgt er mit seiner Band gute zwei Stunden für Bombenstimmung mit Hits wie „Land of Confusion“, „Carpet Crawler“, „Sollsbury Hill“, „In the Air Tonight“ und eigenen Songs.

Ein Abend der wieder zeigt, das Konzept der Winterbacher Rockinitiative funktioniert und hoffentlich sehen wir noch viele große Acts im Remstal, das dies gelingt wünschen wir Steffen Clauss und seinen unermüdlichen Helfern von Herzen.

Text und Fotos Harald Kümmel

Hier gehts direkt zur Kulturinitiative Rock in Winterbach

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Miles Davis Festival Band
Ralf Hesse – Trompete
Tilman Jäger – Piano
Magnus Mehl – Alt-Saxophon
Yaron Stavi – Kontrabass
Ferenc Mehl – Schlagzeug

Sindelfingen, 25.4.2026

Elektric-Miles bei den Sindelfinger Jazztagen

Einmal mehr konnte die STB Big Band die Sindelfinger Stadthalle füllen. Diesmal im Rahmen der Sindelfinger Jazztage, die am Sonntag zuende gingen. Als Sahnestückchen ergänzte die Miles Davis Festival Band den musikalischen Genuss

Miles Davis und Bigband, das ginge nicht so unbedingt zusammen, ließ STB Big Band- Leader Magnus Mehl am Samstagabend zu Beginn der Veranstaltung wissen. Schließlich war die stilprägende Trompeten – Koryphäe, die in diesem Jahr 100 geworden wäre, nicht unbedingt für das Musizieren in größeren Formationen bekannt. Da Mehl auch Teil der Festival Band ist, die zum Hundertsten zusammenfand, lag es dennoch auf der Hand, diesen Abend mit der 18 Musiker-starken Bigband und dem Festival Quintett zu verbinden. Dieses hatte bereits eine Woche zuvor den Württemberg Saal der Böblinger Kongresshalle bis auf den letzten Platz gefüllt; allerdings mit einer Stückeauswahl aus Davis‘ akustischer Epoche in den 60er Jahren. In der Stadthalle war dann der „Electric Miles“ ab den 70ern dran.

Davis war 1964 in Sindelfingen und 1971 in Böblingen zu Gast. Grund genug, seine Werke zum Jubiläum an diesen Orten wieder aufleben zu lassen. Mehr über diese Zeit, in der Sindelfingen und Böblingen sozusagen den Südwesten rockten, ist im Buch „Von Abba bis Zappa“ von Christoph Wagner nachzulesen. Der Autor selbst war am 17. April in der Kongresshalle, wie auch beim „Electric Miles“-Abend in der Stadthalle anwesend und sprach einführende Worte.

Die STB Big Band in gewohnter Klasse mit einer überragenden Vokal-Perle

Doch zunächst erschien die STB Big Band auf der Bühne, um mit Count Basie, einem typischen Bigband-Komponisten, den Abend zu eröffnen. Gastsängerin Laureen Moro setzte mit „Almost Like Being In Love“ mit ihrer bestechenden Stimme dem Bigband Sound die Krone aufsetzte. „I wish You Love“ und weitere Klassiker für Stimme und Bigband sollten folgen, inklusive ein Latin Groove, bei dem Moro besonders glänzte. Und schließlich dann doch noch ein Miles Davis: „All Blues“ aus dem legendären „Kind Of Blue“- Album, von Peter Herbolzheimer für Bigband arrangiert.

Als Solisten der Bläser-Sections taten sich Sven Fisch (Trompete), die Saxofonisten Oliver Guhl, Alexander Förschner und Roman Ording besonders hervor, sowie Christian Klemme (Posaune). Die anspruchsvollen Stücke wurden solide getragen von der Rhythmusgruppe mit dem Schlagzeuger Ralf Püpcke, dem Bassisten Dietmar Lang, sowie Claus Regelmann (Gitarre) und Gunter Maag (Piano). Eine Zugabe konnte allerdings nicht gegeben werden, da die Festival-Band bereits mit den Hufen scharrte. Mehl vertröstete das Publikum damit, dass am Ende des Abends noch etwas zu erwarten wäre.

Die Miles Davis Festival Band hat Spaß an der Elektonik

Nach Christoph Wagners Anmoderation der zweiten Halbzeit mit wissenswerten musikgeschichtlichen Details, durften Tilman Jäger (Stage Piano und Flügel), Ralf Hesse (Trompete), Yaron Stavi (E-Bass) Ferenc Mehl (Schlagzeug) und dessen Bruder Magnus Mehl (Altsaxofon) endlich aus den Startlöchern. Cyndi Lauper’s „Time After Time“ nahm 1985 auch Miles Davis auf und diente als Auftakt für fünf weitere Stücke aus der electric Ära, wie „Tutu“, „Eighty One“, „Jean Pierre“, „Human Nature“ und „Four“.

Im Gegensatz zum Kongresshallenkonzert vor einer Woche mutete es ziemlich außergewöhnlich an, Jäger am Nord Stage 2-Piano sitzen zu sehen und Stavi mit umgehängtem E-Bass. Beide hatten jedoch sichtlich Freude daran, mit den elektrischen Möglichkeiten ihrer Instrumente zu spielen und sich in Modal-, Cool- und Fusion Jazz zu suhlen, Jazz-Genres die den Interpreten viel Freiheit lassen. Besonders Magnus Mehl, der Landesjazzpreisträger 2015 zeigte einmal mehr welch brillanter Saxofonist er ist.

Volle Kapelle zum Schluss

Nach den äußerst gelungenen Vorträgen des Quintetts gab’s nochmal versprochene „volle Kapelle“ zusammen mit der STB Big Band und dem Jaco Patorius Stück „Chicken“. Ein wilder Hühnerhaufen war das gewiss nicht, der den bunten Abend genüsslich beendete. Die Protagonisten boten das, was guten Jazz ausmacht: Improvisation, Spielfreude und Lust auf mehr.

Fotos und Text Bernd Epple

Portraits von Tilman Jäger

Portraits von Ralf Hesse

Portraits von Magnus Mehl

Portraits von Ferenc Mehl

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Teil 1: Die frühen Jahre von Miles (1945–1960)

Vorbemerkung:

 Miles Davis zählt zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Persönlichkeiten der Jazzgeschichte. Als Trompeter, Flügelhornist, Bandleader und Komponist prägte er den modernen Jazz über Jahrzehnte hinweg. Bereits in den ersten 15 Jahren seiner Karriere wirkte er an mehreren entscheidenden Entwicklungen mit: am Bebop, am Cool Jazz, am Hard Bop, am Modal Jazz und an groß angelegten orchestralen Projekten.

Die nachstehenden Ausführungen basieren auf Manuskripten, die der Autor für zwei Jazzsendungen des Radiosenders Radio 700  schrieb. Diese wurden überarbeitet und ausführlich ergänzt. Der erste Teil dieser Artikel-Trilogie zeichnet seinen Weg von den New Yorker Anfangsjahren über „Birth of the Cool“ und „Kind of Blue“ bis hin zu „Sketches of Spain“. Der zweite Teil beleuchtet die sechziger Jahre bis 1991, der dritte behandelt Miles musikalische Beiträge zu Filmen und seine Mitwirkung in Filmen.

Die Anfänge von Miles Davis

Miles Davis wurde 1926 in Alton, Illinois, geboren und starb 1991 in Santa Monica, Kalifornien. Er entstammte einer wohlhabenden, musikbegeisterten Familie der afroamerikanischen Mittelschicht. 1944 begann er ein Studium an der renommierten Juilliard School in New York. Doch schon bald zog es ihn stärker in die Jazzclubs der Stadt als in den akademischen Lehrbetrieb. In seiner Autobiografie „Miles“ beschreibt Davis, dass eine seiner Zielsetzungen darin bestand, Charlie Parker und Dizzy Gillespie zu finden, um mit ihnen zu spielen. Bei seiner Suche traf er auf Musiker wie Coleman Hawkins, Jimmy Cobb, Thelonious Monk und Dexter Gordon.

1945 engagierte Parker den jungen Trompeter für sein Bebop-Ensemble. Dies wurde seine eigentliche Lernphase im Jazz. Parallel dazu arbeitete Davis bereits als eine Art Freelancer, unter anderem mit Lester Young, Benny Carter, Art Blakey, Billy Eckstine oder Sonny Stitt. Zwischen 1945 und 1948 entstanden zudem mehrere Platten unter dem Titel „The Complete Charlie Parker Vol. 1 bis Vol. 5“; u. a. sind folgende Einzeltitel interessant: „Now’s the Time”, „Ko-Ko”, „Billie’s Bounce”, „Hot House” oder „Blues for Alice”. Doch so eindrucksvoll die Bebop-Ära auch war: Schon früh zeigte sich, dass Davis sich nicht dauerhaft an die stilistischen Mittel des Bebop binden würde. Er suchte nach einer anderen Klangvorstellung.

Miles Davis und der Cool Jazz

 Im Jahr 1948 gelang Miles Davis der entscheidende Schritt: Mit der Gründung eines kurzlebigen Nontetts: Miles Davis & His Tuba Band löste er sich aus der Umklammerung des Bebop. Zum Kern des Ensembles gehörten unter anderem Lee Konitz, John Lewis, Gerry Mulligan und Max Roach. Zum ersten Mal arbeitete Miles mit dem Arrangeur und Komponisten Gil Evans zusammen. Kritiker nennen die Radio-Aufnahmen die Geburtsstunde des Cool Jazz.  Die genannte Partnerschaft sollte in den folgenden Jahren zu einem der prägendsten Kapitel seiner Karriere werden.

Miles schreibt in seinen Memoiren, dass die Zusammenarbeit mit Evans ihn dazu brachte, verstärkt Kompositionen zu schreiben. So entstand 1949/1950 das bahnbrechende Album „Birth of the Cool“. Reiz und Wirkung dieses Werks liegen vor allem in seiner andersartigen Instrumentierung, deren Grundlage die Tuba-Band geschaffen hatte. Im Vergleich zum Bebop wirkt die Musik weniger hart und weniger gehetzt. Das Zusammentreffen von Gil Evans als Arrangeur und Miles Davis als Improvisator bezeichnet der deutsche Jazzkritiker Joachim E. Berendt als einen der größten Glücksfälle der Jazzgeschichte. In den fünfziger Jahren experimentierte Davis dann weiter – mit Sextett-, Quintett- und Quartettbesetzungen. Viele jüngere Jazzer fanden in diesen Formationen  den Anschluss an die Szene und entwickelten sich dabei zu späteren Jazz-Stars.

Plattencover „Birth of the Cool”

Die fünfziger Jahre: Aufbruch, Bewährung, Neuausrichtung

 Anfang der 1950er Jahre hatte sich Miles Davis durch seine Zusammenarbeit mit John Coltrane, Sonny Rollins, Coleman Hawkins oder Oscar Pettiford längst den Ehrentitel „The King of the Cool“ erarbeitet. Eine triumphale Europatournee im Jahr 1949 setzte dem Ganzen die Krone auf. Doch während sein Ruf wuchs, war die Lage in seinem Alltag nicht immer stabil. Von Anfang bis Mitte der fünfziger Jahre arbeitete Davis überwiegend ohne feste Band. Er geriet in dieser Zeit in  Kontakt mit Rauschmitteln, wie seiner Autobiographie zu entnehmen ist. Zeitgenossen berichten über cholerische Ausbrüche während Studioaufnahmen. 1955 trat er mit einem Quintett beim Newport Jazz Festival auf. Dieses Konzert gilt bis heute als einer der wichtigsten Momente in der Jazzgeschichte: Es bedeutete für Davis ein Comeback, nach einer Phase persönlicher und beruflicher Schwierigkeiten. Kurz darauf wählte ihn das Magazin „Down Beat“ zum Trompeter des Jahres 1955.

Im Herbst 1955 gründete Miles Davis ein Quintett, das neue Maßstäbe setzte. Bei seiner Plattenfirma Columbia nahm er das Album „Round About Midnight“ auf. Neben John Coltrane gehörten Philly Joe Jones – oftmals beschrieben als „rhythmischer Hexenmeister des Hardbop“ –  Red Garland am Klavier und Paul Chambers am Bass zum Ensemble. Erste Anklänge an Modal Jazz sind zu hören. Jedes Thema der Platte ist wohlbekannt und in vielen Versionen tausendfach gespielt worden. Ideenreichtum, dunkler, melancholisch-wehmütiger Klang und spannende Improvisationen macht dieses Werk einmalig.

Das modale Maß aller Dinge

Miles war 1955 zu dem Label  Columbia gewechselt. Jetzt konnte er sich auf die finanzielle Stabilität bei der Plattenfirma stützen, wobei Columbia als Hintergrund und als Raum für größere Pläne diente. Mit seinem Sextett in der Besetzung John Coltrane (Tenorsaxophon), Cannonball Adderley (Altsaxophon), Bill Evans (Klavier), Paul Chambers (Bass) und Jimmy Cobb (Schlagzeug) nahm Miles schließlich das bahnbrechende Modal-Jazz-Album „Kind of Blue“ auf. Stücke wie „So What“ oder „Blue in Green“ prägen bis heute den Klang dieser Platte. Gil Evans war u. a. an dieser Platte als Ideengeber  beteiligt. Wie schon in früheren gemeinsamen Arbeiten war deutlich geworden, worauf es Davis ankam: auf Klangfarben, auf Spannung, auf weite musikalische Räume. Im Prinzip kann man diese Platte als vom Ansatz her verwandt mit der Filmmusik   „Ascenseur pour l’ échafaud“ betrachten. Wir kommen in Teil 3 auf dieses  Werk zurück.

Ein weiteres Meisterwerk von Miles und Gil Evans erschien 1959. Hier hatte der Arrangeur 15 Motive aus Gershwins Oper „Porgy and Bess“ ausgewählt und arrangiert. Wieder lautete die Einschätzung eines Kritikers ähnlich: „Gil Evans realisierte ein seltenes Spannungsfeld zwischen Komposition und Improvisation mit märchenhaften Klangfarben“. 1960 folgte „Sketches of Spain“. Hier erreichte die Zusammenarbeit zwischen Miles Davis und Gil Evans eine besondere Intensität. Gil Evans verbindet spanischen Folklore mit Modal-Jazz-Elementen. Besonders das Stück „Concerto for Aranjuez“ ist Kult in der Jazz-Gemeinde. Das Album lässt sich bis heute kaum in einfache Kategorien pressen: Es ist Jazz, es ist Klangmalerei, es ist orchestrale Erzählkunst. Über allem aber steht dieses unverwechselbare Spiel von Miles, das kontrolliert, zurückhaltend und manchmal fast einsam klingt.

Quellen

Miles Davis/Quincy Troupe: Miles Davis – Die Autobiographie, Hoffmann u. Campe, 1. Auflage 1990
George Cole: The Last Miles – The Music of Miles Davis 1980 – 1991, Equinox Publishing Ltd., 2006
Jacques Ferrandez: Miles Davis, Editions Bdmusic 2010
Stefan Hentz: Miles Davis – Sound eines Lebens, Reclam Verlag 2026
Peter Wießmüller: Miles Davis – Sein Leben, Seine Musik, Seine Schallplatten, Oreos Verlag, 2. Auflage 1988
Mike Dibb: The Miles Davis Story, DVD 2002 (BBC Dokumentation)
Jazz im Film SendemanuskriptMilesDavisTeil1.pdf
Jazz im Film SendemanuskriptMilesDavisTeil2.pdf
Wikipedia

Teil 2 und 3 folgen

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Alma Naidu (voc, keys)
Ferdinand Kirner (git)
Florian Stierstorfer (b)
Valentin Renner (dr)

Stuttgart, 17.4.2026

Poetische zarte Elegie trifft fein intonierten Jazzgesang

Jazzschlagzeuger entdeckt den „Seelengesang“

Als der renommierte deutsche Schlagzeuger Wolfgang Haffner, bei einer Jamsession 2019 in Burghausen, eine junge Sängerin hörte, die in ihrer ganz eigenen Art und Weise den Jazzklassiker „My funny Valentine“ interpretierte, fühlte er sich wohl, so kann man nur vermuten, tief in seiner Seele berührt. Dies hatte zur Folge, dass er die junge Sängerin Alma Naidu vom Fleck weg engagierte, mit auf Tour und mit ins Plattenstudio nahm. Kein Wunder, heißt doch Alma wörtlich übersetzt Seele. Inzwischen wird sie von diversen Jazzkritikern als „eine der vielversprechendsten Sängerinnen der deutschen Szene“ bezeichnet. Aufgewachsen ist Naidu umgeben von klassischem Musik – ihre Mutter ist Kammersängerin ihr Vater Dirigent.  Klavier- und Geigenunterricht, später Tanz und Musicalgesang gehörten wie das Gitarrenspiel und eine Vorliebe für die Hardrock-Band „Metallica” zu Alma Naidus breitgefächerter, musikalischer Sozialisation.

Von Folk und Soul inspirierter „Songwriter-Jazz“

Mit einem Jahr Verspätung findet an diesem Aben im BIX das „Release-Konzert“ ihres Albums „Redefine“ statt, dass 2025 erschien. Naidu, die in den letzten Jahren schön öfters im Stuttgarter Jazzclub zu Gast war, präsentiert an diesem Abend wieder eine feinfühlige Mischung eigener poetischer Kompositionen und swingende, manchmal auch ganz leicht rockende Coverversionen anderer Komponisten und Bands. Die Bandbreite erstreckt sich von intimen Solostücken nur mit Stimme und Klavier, bis hin zu Songs in ihrer klassischen Bandbesetzung, die eine große Intensität besitzen und voller musikalischer Vielfalt und inhaltlicher Tiefe sind. Es geht um Liebe, Freundschaft, inneres Wachstum sowie das Hinterfragen von Rollenbildern und um Gleichberechtigung.

Die ersten Songs sind schwebend, ruhig und leicht konsumierbar, von Jazz ist da vorerst nichts zu hören. Gefällige und leichte musikalische Kost, schön konzipierte Stücke, die an einem Freitag Abend perfekt zu einem Glas Rotwein passen. „Ich habe immer schon am Klavier improvisiert und gesungen und gerne auf der Bühne gestanden“, erzählt sie. „Aber vom Jazz war ich zunächst noch recht weit entfernt“, was im ersten Teil des Abend durchaus nachvollziehbar und hörbar ist.

Metallica und der poetische Schöngesang im Zwiegespräch

Als sie ihre Affinität zu der Band Metallica beschreibt und eine rockige Coverversion eines Songs der Band ankündigt, wartet man gespannt, wie sich das denn nun mit dem poetischen Schöngesang Naidus verträgt. Naja, bis zu dem einminütigen Gitarrensolo ist da von Rock nix zu hören, ist das Ganze doch eher zu einer feingliedrigen Ballade mit minimalen rockigen Anklängen abgedriftet, was der Qualität aber keinen Abbruch tut. Die Sängerin hat eine äußerst sympathische und angenehme Ausstrahlung, kein Wunder, dass sie die Zuhörer im ausverkauften BIX bei ihrem Song „Another kind of Love“ zum Mitsingen problemlos animieren kann. Baden Württemberg sei ja eh das „Land der Chöre“ meint sie, was sich dann innerhalb der nächsten Minuten auch irgendwie bestätigt. Die Band agiert relativ unauffällig, ist aber perfekt und variabel in der Instrumentierung der Songs. Bei dem von ihr komponierten „Volkslied“ Walberla, kann sich Valentin Renner am Drumset mal etwas in den Vordergrund spielen, sind doch die Rhythmen mit der Dynamik eines mittelalterlichen Sounds verknüpft. Auch die virtuose Stimme Naidus erklimmt jetzt hier erstmals sopranistische Höhen, was durchaus auf eine stimmlich sehr gute Ausbildung schließen lässt.

Und dann kommt der Jazz dann doch noch um die Ecke

Nach der Pause wandelt sich der Sound vor der leicht konsumierbaren luftigen musikalischen Kost in einen Steigerungslauf der Virtuosität aller Beteiligten. Die Themen der Songs werden kritischer die Instrumentierung unkonventioneller und die Sängerin zieht alle Register ihres gesanglichen Könnens. Ihre Technik beinhalten Fragmente afrikanischer Vokalakrobatik sowie indischen Volksgesang. Es ist eindrucksvoll wie ihre Stimme beschwörend und mit Wut beispielsweise das Unrecht, das Frauen auf der ganzen Welt widerfährt, anprangert. Und dann kommt der Jazz dann doch noch um die Ecke geschlichen, denn wir sind ja in einem Jazzclub meint sie, dann werden wir mal alle zusammen ein wenig “scaten“. Auch diese Form der Vokalimprovisation, in der lautmalerisch bedeutungslose Silben aneinandergereiht werden um dann wie ein Instrument zu klingen, beherrscht die Sängerin perfekt.

Auch das sattelfeste „Chorpublikum“ macht wieder bereitwillig mit und das nicht mal schlecht. Das letzte Stück der Setlist ist ein jazziger Steigerungslauf bei dem die Band dann doch nochmal richtig zeigen kann, welch großartige Musiker hier auf der Bühne stehen. Naidu feuert nochmals aberwitzige Töne ins Publikum, das restlos begeistert ist und mit einem „Love Song“ als Zugabe wieder beruhigt wird. Man wird an diesem Abend mit der Gewissheit entlassen eine „musikalische Begabung par exellence“ erlebt zu haben, die aller Wahrscheinlich noch eine erfolgreiche Karriere vor sich haben könnte. Die Chancen stehen gut für Alma Naidu.

Harald Kümmel

Portraits von Alma Naidu

Portraits von Valentin Renner

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