Axel Fischbacher – git
Nico Brandenburg – bass
Tim Dudek – drums
Tamara Lukasheva – voc
Ohad Talmor – sax

Veröffentlichung 8. Mai 2026

Jazz is a Call for Freedom

Das Axel Fischbacher Trio präsentiert mit „normal II“ ein neues Album, das auf langjähriger Zusammenarbeit, Offenheit und kultureller Vielfalt basiert. Neben Gitarrist Axel Fischbacher, Bassist Nico Brandenburg und Schlagzeuger Tim Dudek wirken Sängerin Tamara Lukasheva und Saxophonist Ohad Talmor mit. Die Musik verbindet klare Strukturen mit freien Improvisationen und spiegelt Werte wie Freiheit, Frieden und soziale Verantwortung wider. Das Projekt versteht Jazz nicht als neutral, sondern als künstlerische Haltung, die in einer politisch angespannten Zeit bewusst Position bezieht.

In einer Zeit verschärfter Sprache und vereinfachter Antworten setzt das Projekt auf Begegnung, Haltung und klare Positionen. Für Fischbacher ist Schweigen keine Option – Kunst müsse sich auch nach außen richten. Das Album trägt bewusst das Peace-Zeichen von 1969 als Erinnerung daran, dass Frieden einst radikal war und es heute wieder ist. Zusammenleben wird als fortlaufender, gemeinsamer Aushandlungsprozess verstanden, der sich auch auf der Bühne widerspiegelt.

Live 6.6.Hildener Jazztage

Der Beitrag Axel Fischbacher Trio (feat. Tamara Lukasheva & Ohad Talmor) – normal II erschien zuerst auf Jazzreportagen.com.

Anna Webber – tenor saxophone, flute, alto flute
Sarah Rossy – voice, synthesizer
Chiquita Magic – Synthesizers, voice
John Hollenbeck – drums, glockenspiel, composition

Veröffentlichung 8. Mai 2026

Avantgardistische Synth-Pop-Jazz-Fusion

GEORGE – Looking for Consonance (OOYH 044), der Nachfolger des gefeierten Debütalbums Letters to George aus dem Jahr 2023, erschienen als LP/CD/Streaming bei Out Of Your Head Records. Die erste Single „George and Dee“ und die zweite „Porter“ waren bereits erschienen. GEORGE ist die Hauptband des Grammy-nominierten Schlagzeugers John Hollenbeck, zu der Anna Webber, Chiquita Magic und Sarah Rossy gehören. AllMusic bezeichnete GEORGE als „futuristische Progressive Fusion […] eine wahrhaftige Supergroup“. Pitchfork lobte Letters to George für „seine einzigartige Mischung aus Vintage-Funk und futuristischer Electronica“.

Die erste Tournee mit dem Material aus Looking for Consonance im März 2026 erhielt überwältigend positive Kritiken. Das bevorstehende Frühjahrsprogramm umfasst ein Album-Release-Konzert in New York City im Long Play am 3. Mai sowie Auftritte beim Solid Sound Festival von Wilco, dem Montreal Jazz Festival, dem Angel City Jazz Festival und dem Earshot Festival. Über die „Solar Myth“-Performance schrieb JazzTimes: „Der Komponist und Schlagzeuger/Percussionist John Hollenbeck überrascht immer wieder auf spannende Weise, denn selbst seine komplexesten oder formlosesten Songstrukturen sind ganz dem Groove verschrieben – sei es ein kaum wahrnehmbarer Puls oder ein kraftvoller Herzschlag.“ Auf Looking for Consonance setzt GEORGE seinen ganz eigenen Weg der avantgardistischen Synth-Pop-Jazz-Fusion fort, den keine andere Band so geht wie sie.

John Hollenbeck über das Album

Der Titel „Looking for Consonance“ kam mir eines Tages in den Sinn, als ich darüber nach-dachte, wie ich diese Musiksammlung nennen könnte. Dieser Titel fühlte sich sofort wichtig an, also ließ ich ihn auf mich wirken. Ich dachte, ich wüsste, was Konsonanz in der Musik bedeutet, aber ich wusste auch, dass sie andere Bedeutungen hat – solche, die weit über den Klang hinausgehen. Websters Wörterbuch definiert Konsonanz als „die Harmonie oder Übereinstimmung von gleichzeitig erzeugten Klängen, die zu einem angenehmen und stabilen Hörerlebnis führen.“

Das Wort, das mir dort am meisten auffällt, ist „stabil“. Ich glaube, wir alle suchen nach etwas, das Stabilität vermittelt. Einigkeit und Harmonie wären wunderbar – aber eine solche Harmonie würde erfordern, dass die Menschen einen Teil ihrer eigenen Gewissheit, ihrer eigenen Meinungen aufgeben. Und mir ist bewusst, dass selbst Gesten, die das Leben würdigen sollen, Widerstand oder Anstoß erregen können, wie es bei der Namensgebung dieser Band der Fall war, unserem Tribut an George Floyd.

Jedes Mitglied bringt eine einzigartige Stimme mit ein:

Anna Webber verbindet Avantgarde-Jazz und zeitgenössische Klassik mit furchtloser Präzision und ausdrucksstarker Tiefe.

Sarah Rossy verschmilzt Live-Elektronik, Jazz und globale Folk-Traditionen zu ätherischen, sozial engagierten vokalen Klanglandschaften.

Chiquita Magic vereint mikrotonale Synthesizer, lateinamerikanische Rhythmen und Electro-Pop-Futurismus zu rhythmisch aufgeladenen, tanzbaren Klangtexturen.

John Hollenbeck, sechsmaliger GRAMMY-Nominierter und Guggenheim-Stipendiat, ist dafür bekannt, genreübergreifende Ensembles zu formen, die kompositorische Strenge mit groove-basierter Unmittelbarkeit in Einklang bringen. Gemeinsam präsentieren sie Musik, die einfallsreich und zugleich zutiefst menschlich ist – groove-orientiert, emotional reichhaltig und sofort mitreißend.

TRACKS 

01. bounce 10:03
02. Lewis (dedicated to George Lewis) 8:14
03. Nassam Alayna-LHawa (a diasporic offering for peace) 4:50
04. George and Dee (dedicated to George and Dee Gamble) 3:23
05. Georgist 4:14
06. Porter (10,000 men named George) 2:39
07. Norma (in support of reproductive autonomy) 4:15
08. Unicornio (for the Global South, in movement and resilience) 5:43
09. Johnson (dedicated to George F. Johnson) 3:27
10. Wayne Phases (dedicated to Wayne Shorter) 11:52

Recorded at Hansa Studios November 5-6, 2024
Engineer: Nanni Johansson, Assistant Engineer: Frida Claeson Johansson
Mastered by: Frida Claeson Johansson
Art + Design + Photography by TJ Huff

All songs composed by John Hollenbeck except for #3 composed by Assi and Mansour Rahbani/arranged by John Hollenbeck and #8 composed by Silvio Rodriquez/arranged by John Hollenbeck.

jazzreportagen.com: GEORGE ist ein von John Hollenbeck gegründetes Quartett, das analoge Wärme und digitale Präzision zu einem einzigartigen Mix aus Funk, Electronica, Jazz und Art-Pop verbindet. Benannt zu Ehren von George Floyd und anderen prägenden „Georges“, begeistert die Band live mit emotionaler Tiefe und einer überraschend großen Klangvielfalt.

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Lorenzo Vitolo – piano and synths
Josh Schofield – alto and soprano saxophone
Joan Codina – acoustic bass
Paulo Almeida – drums, vocals, percussion

Jorge Rossy – vibes in Ipê
Lisette Spinnler – vocal in Nenhum Talvez

Veröffentlichung 24. April 2026

Auseinandersetzung mit Struktur, Atem und Interaktion

In Brasilien aufzuwachsen bedeutet, mit Rhythmus aufzuwachsen. Er ist Teil des Alltags – in der Sprache, bei gemeinschaftlichen Zusammenkünften, religiösen Zeremonien und in der Art, wie Musik gelernt und geteilt wird. Auf seinem sechsten Album leugnet Almeida diese Grundlage zwar nicht, versteift sich aber auch nicht darauf. Anstatt den Groove in den Mittelpunkt zu stellen, schafft er ein neues Gleichgewicht zwischen den verschiedenen Elementen der Musik.

Der mittlerweile in Basel lebende Schlagzeuger Paulo Almeida geht an das Komponieren ebenso fließend heran, wie er sich zwischen Kontinenten und Traditionen bewegt, und Love in Motion macht diesen Prozess hörbar. Das Studioalbum entstand während einer intensiven Phase am Klavier, in der er Ideen gesanglich durchspielte, bevor er sie auf das Schlagzeug und seine Band übertrug. Almeida arbeitet am liebsten auf diese Weise. Er nutzt seine Stimme nicht als Verzierung, sondern als kompositorisches Werkzeug, um eine Richtung zu formen und zu phrasieren, noch bevor auch nur ein einziges Schlagzeugmuster feststeht.

Das Singen begleitet ihn seit seiner Kindheit, und hier wird dieser Hintergrund unmittelbar spürbar. Er fügt sich ganz natürlich in seine Herangehensweise an das Schlagzeug ein. Anstatt es als rein rhythmischen Motor zu betrachten, versteht Almeida es als Instrument der Klangfarbe, der Kontur und der melodischen Präsenz. Das Schlagzeug gibt nicht einfach nur den Takt vor; es ist an dessen Gestaltung beteiligt und reagiert auf Atem und Phrasierung, anstatt eine Struktur aufzuzwingen.

Die Musiker

Dieser Ansatz setzte sich auch im Aufnahmeprozess fort. Das Album entstand in Zusammenarbeit mit Musikern aus Almeidas engstem Kreis in Basel – Musikern, die seine Sprache verstehen, darunter Lorenzo Vitolo, Josh Schofield und Joan Codina, sowie ein Gastauftritt des einflussreichen und international anerkannten Jorge Rossy. Die Sessions wurden weniger von festen Arrangements als vielmehr vom gegenseitigen Zuhören und kollektiven Abstimmen geleitet. Die Rollen innerhalb der Band wechseln auf subtile Weise, und die Musik entfaltet sich eher durch gemeinsames Gespür als durch Hierarchien.

In diesem Zusammenhang bildet Almeidas langjährige Verbindung zum brasilianischen Komponisten Hermeto Pascoal einen roten Faden. Da er an Orten studiert hat, an denen Pascoals Musik im Mittelpunkt stand, und mit Musikern aus dessen Umfeld zusammen-gearbeitet hat, führt Almeida diese Tradition hier fort und bewahrt dabei die Unmittelbarkeit und spirituelle Offenheit, die Pascoals Einfluss auf ihn seit jeher geprägt haben.

Love in Motion präsentiert Almeida nicht unter einem einzigen stilistischen Etikett, sondern durch eine fortwährende Auseinandersetzung mit Struktur, Atem und Interaktion. Das Stück vereint brasilianische Wurzeln, einen europäischen Kontext und ein klares Bewusstsein für die eigene Tradition und zeichnet so ein fokussiertes Porträt eines Künstlers, der seine Ausdrucksweise verfeinert, dabei aber stets eng mit ihren Ursprüngen verbunden bleibt.

Almeida über seine Tracks

„Burning Skin“ – Ich habe diesen Song in einer Zeit geschrieben, in der ich mit Angstzuständen zu kämpfen hatte, und eines der Symptome war ein brennendes Gefühl auf meiner Haut. Die Melodie ist stark von Hermeto Pascoal beeinflusst, der mich mein ganzes Leben lang inspiriert hat.

„Um Sopro“ – Dieser Song entstand aus der Reflexion darüber, dass das Leben wie ein Atemzug ist – „sopro“ auf Portugiesisch. Die Musik wurde von den Ideen von Malcolm Braff inspiriert, einem Komponisten, mit dem ich auch das Vergnügen hatte, zusammenzuspielen.

„Lembranças do Boi“ – Dieses Stück wurde von der brasilianischen Kulturbewegung „Boi do Maranhão“ sowie vom Impressionismus inspiriert, bei dem Rhythmus und Melodie manchmal die Rollen tauschen.

„Nenhum Talvez“ (Hermeto Pascoal) – Dieser Song wurde erstmals von Miles Davis aufgenommen, nachdem er Hermeto Pascoal kennengelernt hatte. Da Hermetos Musik mich tief geprägt hat, habe ich ihn zu seinen Ehren aufgenommen und die wunderbare Schweizer Sängerin Lisette Spinnler eingeladen, mich dabei zu begleiten.

„Wintermorgen“ – An einem Wintermorgen während der Entstehungszeit des Albums kam mir diese Melodie auf einmal in den Sinn. Ich schickte sie an Lorenzo Vitolo, um zu erfahren, wie er sie harmonisch umsetzen würde, und so begann unsere erste Zusammenarbeit.

„Resilienz“ – Dieses Stück entstand in einer Zeit, in der ich über die Jahreszeiten in Europa nachdachte. Da ich aus Brasilien stamme, war der Winter etwas Neues für mich und erforderte Widerstandsfähigkeit. Ich habe diesen Gedanken auch mit Claude Monets „Les Nymphéas“ verglichen – in der Überzeugung, dass ein Musikstück, genau wie diese Gemälde, bei jeder Aufführung ein neues Licht auf sich werfen kann.

„Saudade“ – „Saudade“ ist eines der schönsten Wörter im brasilianischen Portugiesisch, und es lässt sich nur schwer genau übersetzen. Ich habe diesen Song in einem nachdenklichen Moment geschrieben, als ich Heimweh nach meiner Heimatstadt, meinen Freunden und meiner Familie hatte.

„Ipê“ – Ipê ist der indigene Name eines brasilianischen Baumes und eine der ältesten Kompositionen auf diesem Album. Für dieses Stück habe ich den großen Meister und Freund Jorge Rossy eingeladen, mit uns zu spielen.

„Saci“ – Saci ist eine legendäre Figur der brasilianischen Kultur – ein einbeiniger Schelm, der durch den Wald hüpft und ihn beschützt. Dieser Song versucht, diesen Geist einzufangen. Im zweiten Teil habe ich mich stark von Paul Motian inspirieren lassen.

TRACKS 

1. Burning Skin 4.37
2. Um Sopro 6.46
3. Lembranças do Boi 5.23
4. Nenhum Talvez 5.50
5. Winter Morning 5.15
6. Resilience 4.19
7. Saudade 2.12
8. Ipê 5.52
9. Saci 5.12

All compositions by Paulo Almeida, except „Nenhum Talvez“ from Hermeto Pascoal and „Winter Morning“ in partnership with Lorenzo Vitolo.
Produced by Paulo Almeida.
Recorded by Guillem Salles at Jazz Campus in Basel in April 2025. Mixed and mastered by Thiago Monteiro.

Über Paulo Almeida

Paulo Almeida ist ein brasilianischer Schlagzeuger, Perkussionist und Komponist, der in Basel lebt. In den letzten zehn Jahren hat er sich als unverwechselbare Stimme in der brasilianischen Instrumentalmusikszene etabliert, indem er afro-brasilianische Rhythmen mit einem sehr melodischen Ansatz am Schlagzeug verbindet. Er begann seine musikalische Ausbildung in São Paulo und setzte sie später am Konservatorium von Tatuí fort, wo er sowohl klassische als auch populäre Musik studierte und auf zahlreichen Festivals spielte.

Als Instrumentalist ist Almeida weltweit bei bedeutenden Festivals und in Jazzclubs aufgetreten und hat mit Künstlern wie Hermeto Pascoal, Dhafer Youssef, Guillermo Klein, Lionel Loueke, Wolfgang Muthspiel, Jorge Rossy, Anat Cohen, Ralph Alessi, Filó Machado und Leny Andrade zusammengearbeitet. Neben seiner Tätigkeit als Bandleader unterrichtet er am Jazzcampus Basel und ist weiterhin in einer Vielzahl von Projekten in ganz Europa aktiv. Zu seiner Diskografie als Bandleader zählen „Constatações“ (2013), „Corpo e Alma“ (2017), „Parceria“ (2017), „Unity – Live at Bird’s Eye Jazz Club“ (2020) und „Oferenda“ (2023).

jazzreportagen.com: Der brasilianische Schlagzeuger Paulo Almeida verbindet auf seinem Album Love in Motion seine rhythmischen Wurzeln mit einem gesanglich geprägten Kompositionsstil, bei dem das Schlagzeug weniger als Taktgeber, sondern vielmehr als melodisches, farbenreiches Instrument im fließenden Zusammenspiel mit seiner Band fungiert. Hörenswert!

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Ryan Keberle – Trombone
Frank Woeste – Piano
Vincent Courtois – Cello

Poesie, Absurdität und Provokation

Reverso haben am 2. Februar ihr neues Album Between Two Silences angekündigt, das am 27. März 2026 via Alternate Side Records erscheint. Parallel zur Ankündigung gibt es mit Café des fantômes mélancoliques die erste Singleauskopplung zu hören.

Gab es jemals einen anderen Komponisten in der westlichen klassischen Musik, der gleichzeitig so bewundert und missverstanden wurde wie Erik Satie? Zu seiner Zeit galt er als Exzentriker – ein Image, das er als langhaariger Bohemien mit Zylinder und Gehrock selbst pflegte –, doch heute wird Satie als innovativer Querdenker angesehen, als Künstler, der den Weg für die musikalische Postmoderne, den Minimalismus und sogar die Ambient-Musik ebnete. Sein Einfluss reicht über seine Zeitgenossen und Protegés hinaus und umfasst so unterschiedliche Künstler wie John Cage, John Adams, Brian Eno und Gary Numan.

„Saties Musik zeichnet sich durch eine seltene Balance zwischen Klarheit und Geheimnis aus“, sagt der französische Pianist Frank Woeste, Gründungsmitglied des einzigartigen transatlantischen Trios Reverso, dessen neues Album Between Two Silences eine Hommage an diesen einzigartigen und geheimnisvollen französischen Komponisten ist.

Scheinbaren Einfachheit

„Hinter ihrer scheinbaren Einfachheit verbirgt sich eine emotionale Mehrdeutigkeit und eine stille Radikalität, die sich noch immer modern anfühlt“, sagt Woeste. „Seine Ablehnung von Überfluss, sein trockener Humor und seine Distanz zur romantischen Grandiosität finden bei mir starken Anklang. Seine Musik wirkt sowohl intim als auch konzeptionell kühn, frei von Schnörkeln und doch voller Persönlichkeit.“ Es ist keine Überraschung, dass Reverso – Woeste, der amerikanische Posaunist Ryan Keberle und der französische Cellist Vincent Courtois – sich für Satie interessieren. Die charakteristische Albumreihe der Band, die den großen französischen Konzertkomponisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts gewidmet ist, hat zuvor bereits Maurice Ravel und dem Kollektiv Les Six Tribut gezollt – die alle tief von Satie inspiriert waren.

Tracklist

Le chat qui mangeait des nuages – Frank Woeste – 5:51
Danse des horloges sans aiguilles – Frank Woeste – 4:58
Désespoir agréable – Vincent Courtois – 3:37
Origins of the Unseen – Ryan Keberle – 5:57 
Café des fantômes mélancoliques – Frank Woeste – 4:17
Espanana – Collectively Improvised – :57
Valse des chapeaux sans tetes – Frank Woeste – 4:41
Gyrostride – Ryan Keberle – 5:03
After Last – Ryan Keberle – 5:18
Choral Hypocrite – Vincent Courtois – 3:53
Le Tango des ombres oubliées – Frank Woeste – 3:57

Produced by Ryan Keberle, Frank Woeste, and Vincent Courtois
Recorded on December 13 and 14, 2024 at Studio Sextan in Paris, France
Engineered, Mixed and Mastered in February 2025 by Erwan Boulay in Paris, France
Artwork and Design: David Stith
Photography: Maxime de Bollivier

Zwei Singles wurden bereits veröffentlicht. Diese Links bringen sie zu den Youtube-Videos: Café des fantômes mélancoliques und Danse des horloges sans aiguilles

jazzreportagen.com: Erik Saties Geist lebt in den Kompositionen der drei Musiker wieder auf. Ihre eigenwillige Instrumentierung ist ein Genuss

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Isabelle Bodenseh – Flöten
Thomas Bauser – Hammond
Johannes Maikranz – Gitarre
Lars Binder – Drums

Veröffentlichung Februar 2026

Intimität und Authentizität

Dieser gerade veröffentlichte Tonträger der Flötistin Isabelle Bodenseh ist mehr als einfach nur eine Neuerscheinung, Sie ist eine Hommage an die Menschlichkeit und aus gutem Grund auch ihrer Familie gewidmet. Schließlich ist sie auch Mutter einer schwerstbehinderten Tochter, die sie zusammen mit ihrem Mann und ihrem Sohn nunmehr seit über 20 Jahren mit viel Engagement und Liebe betreut. Dass dies auch alle Kanäle zu einer würdevollen Grundhaltung und einem ebensolchen Zusammenleben öffnen kann, beweist sie mit „ihrer“ Sprache, mit der Musik! „Für mich persönlich ist das das bedeutsamste, authentischste und aufregendste Album meines Lebens“, sagt sie.

So besticht die 5-teilige Suite for Dignity (mit drei Bonusnummern) vor allem durch Intimität und Authentizität. Jeder Satz widmet sich einem anderen Aspekt rund um ihre Tochter Juliette: Begegnungen mit Menschen, Strukturen, Gesetzen. Momente tiefster Verletzung, Verzweiflung und deren mutvolle Überwindung, verwandelt in eine musikalische Reflexion darüber, was Menschenwürde im gelebten Alltag bedeutet – und was sie bedroht. Die Suite wird im Prolog mit schwebenden Phrasen, intoniert mit Bassquerflöte und Hammond, einhergehend mit omnipräsenter Zartheit und Zerbrechlichkeit, eröffnet. Im darauffolgenden Sospeso wird es bereits sonniger und leichter bis in Tempesta der Latin Groove Oberhand gewinnt – kochende Hammond Sounds und quirlige Querflötenexplosionen! Kantilene beginnt mit knisternder Spannung, die in eine fast sakral-ehrfürchtige und zugleich hoffnungsvolle Stimmung überleitet.

Meditative Weite und energiegeladener Höhenflug

Schließlich rundet Part V –Verve die Suite mit phantasievollen Hammond- und Gitarrenausflügen maßgeschneidert ab – lebendig facettenreicher Flöten-Erzählstil on top! Masha und Fly High spiegeln die Bandbreite dieses Werkes wider: Meditative Weite und energiegeladener Höhenflug. Das Finale mit Juliette – Epilog; nur folgerichtig, denn nicht zuletzt war die Tochter eine maßgebliche Inspirationsquelle für dieses Album. Die eingespielten Sprachfetzen deuten an worum es geht: Mit geschärfter Wahrnehmung Vorurteile zu überwinden – für ein liebevolles und würdiges Miteinander! Musikalisch werden Räume geöffnet, die genügend Platz lassen für eigene Gedankenreisen; mit offenen Akkorden, harmonisch mit dissonanten Verweilstellen, die darauf hinweisen könnten, das anzunehmen, was ist.

Summa summarum lässt sich konstatieren, dass die Flötistin, wie in ihren anderen Alben, authentisch und überzeugend rüberkommt; sagt sie doch selbst: „Ich habe immer offene Antennen und habe oft das Gefühl, durch das Leben zu fließen und dabei aufzusaugen. Ich denke, je nach momentaner Lebenssituation sind das dann wohl auch sehr unterschiedliche Dinge, denn die Themen im Leben verschieben sich ständig“. 
Sei hier noch erwähnt, dass die Band es hervorragend versteht, die Ideen einer Weltklasse-Flötistin musikalisch so umzusetzen, dass über den Musikgenuss hinaus Momente der Besinnlichkeit, Kontemplation und Lebensfreude entstehen.

Bernd Epple

Portraits von Isabelle Bodenseh

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Stéphane Belmondo – trumpet, flugelhorn
Antonio Faraó – piano
Thomas Bramerie – double bass
Benjamin Henocq – drums

Ein spontanes Klanguniversum

Veröffentlichung 27.2.2026

Die Begegnung zwischen Antonio Faraò und Stéphane Belmondo veranschaulicht perfekt, was aus dem Dialog zwischen zwei außergewöhnlichen Künstlern entstehen kann. Der italienische Pianist, bekannt für seine Virtuosität, Lyrik und sein ausgeprägtes Gespür für Melodien, tut sich hier mit einem der ausdrucksstärksten französischen Trompeter seiner Generation zusammen. Gemeinsam bieten sie Musik, die frei, inspiriert und zutiefst menschlich ist.

Ihre Zusammenarbeit basiert auf gegenseitigem Zuhören und einem gemeinsamen Respekt für die Sprache des Jazz. Ohne lange Proben schaffen sie ein spontanes Klanguniversum, reich an Nuancen und Emotionen. Faraòs Originalkompositionen, geprägt von Lyrik und Aufrichtigkeit, finden ein natürliches Echo in Belmondos warmem Ton und seiner Sensibilität.

Um sie herum vervollständigt eine solide und dennoch subtile Rhythmusgruppe das Gleichgewicht: Thomas Brameries Kontrabass, robust und voller Wärme, und Benjamin Henocqs inspiriertes Schlagzeugspiel, dessen Präzision und Groove den kollektiven Fluss aufrechterhalten.

Dieses Projekt zelebriert die Freiheit der Jazzperformance, die Improvisation als gemeinsame Sprache und die emotionale Tiefe, die diese Musiker so wunderschön vermitteln.

Aufgenommen am 5. und 6. Februar im Jazzclub Duc des Lombards in Paris

TRACKLIST:
1. Otti (T. Bramerie) 5:22
2. Remembering Duke (A. Farao’) 6:04
3 .Around (A. Farao’) 2:49
4. My Little Dancer (S. Belmondo) 7:04
5. One Finger Snap (H. Hancock) 5:07
6. Joey’s Smile (S. Belmondo) 4:29
7. Do it! (A. Farao’) 5:48
8. Melancholy of Rita (S. Belmondo) 8:11
9. Sweet (A. Farao’) 5:05

jazzreportagen.com: Ein hervorragendes Album. Zwei Meister ihres Faches spielen ihre Kompositionen mit perfekter Rhythmusunterstüzung im kleinen Jazzclub in Herzen von Paris. Man sitzt in der ersten Reihe.

Portraits von Stephane Belmondo

Portraits von Antonio Faraò

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