Nathaniel Facey Alto Saxophone
Thomas Farmer Double Bass
Shaney Forbes Drums
Ivo Neame Piano
David Preston Guitar

Veröffentlichung: 26. Juni 2026

Soundtrack zur Zivilisationskrise: Empirical melden sich mit einem Meisterwerk zurück

Mit ihrem achten Album „Like Lambs: To The Slaughter“ liefert das preisgekrönte britische Jazzensemble Empirical einen packenden Soundtrack zu den Krisen unserer Zeit. Nach dem Umzug des Vibraphonisten Lewis Wright in die USA operiert die Band als Trio. Es bestehend aus Nathaniel Facey (Altsaxophon), Tom Farmer (Kontrabass) und Shaney Forbes (Schlagzeug). Für dieses ambitionierte Projekt holen sie sich mit Ivo Neame (Klavier) und David Preston (Gitarre) jedoch hochkarätige Verstärkung ins Boot.

Das Herzstück des Albums ist eine 51-minütige musikalische Erzählung. Sie basiert auf einer radikalen Überarbeitung einer früheren Suite von Shaney Forbes und verhandelt brennende Fragen zu Herdenverhalten, Ignoranz und dem Zustand unserer Zivilisation. Musikalisch bewegt sich das Kollektiv furchtlos im Spannungsfeld zwischen Post-Bop, Free Jazz, Soundscapes und zeitgenössischer Klassik. Die Musiker knüpfen damit bewusst an den politisch und spirituell aufgeladenen Jazz der 1960er-Jahre an.

Trotz der düsteren Thematik und hektischer, den modernen Alltag widerspiegelnder Rhythmen ist die Platte kein reines Untergangsszenario. Vielmehr zelebrieren Empirical die musikalische Kooperation als Gegenentwurf zur grassierenden Spaltung der Gesellschaft. Ein virtuoses, emotional tiefgründiges Ausnahmewerk, das selbst für die gewohnt hohen Standards dieser Band neue Maßstäbe setzt.

Fazit: Düster, komplex und brillant kooperativ – Empirical setzen mit dieser 51-minütigen Suite neue Maßstäbe im zeitgenössischen Jazz.

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Veröffentlichung 5.6.2026

Klangliche Landkarten zwischen Jazz und Klassik: Clara Haberkamp präsentiert ihr neues Solo-Album „LOVE MAPS“

Die mit dem Westfalen Jazzpreis 2025 ausgezeichnete Pianistin und Komponistin Clara Haberkamp zählt zu den markantesten und profiliertesten Stimmen der deutschen Jazzszene. Geprägt durch ein klassisches und jazzorientiertes Elternhaus, verbindet die promovierte Musikerin in ihren Werken virtuos Jazz, Klassik und Neue Musik. Nach internationalen Erfolgen mit ihrem Trio-Album „Plateaux“ kehrt sie nun mit einem zutiefst intimen Soloprojekt zurück.

Ihr neues Solo-Klavieralbum „LOVE MAPS“ versteht sich als ein Meisterwerk der musikalischen Navigation. Wie auf einer fein ausgearbeiteten klanglichen Karte verbindet Haberkamp verschiedene Musikgenres mit nuancierter Improvisation. Dabei interpretiert sie sowohl vertraute Stücke als auch eigene Kompositionen aus einer einzigartigen, zutiefst persönlichen Perspektive. Das Album besticht durch einen direkten und nahbaren Charakter: Als Besonderheit setzt die Künstlerin auf den Titeln 4 und 10 ihre eigene Stimme als zusätzlichen Farbklang ein, um die Zuhörenden auf ganz persönlicher Ebene zu berühren.

„Love Maps“

01. LOVE MAPS (Clara Haberkamp)
02. BUTOH AND BALLET (Clara Haberkamp)
03. AIR (Johann Sebastian Bach)
04. NEVER LETTING GO [+ vocals] (Stephen Bishop)
05. TEMPUS FUGIT (Bud Powell)
06. A KISS BETWEEN THE BROWS (Clara Haberkamp)
07. MY FUNNY VALENTINE / IN EINEM KÜHLEN GRUNDE (Rodgers–Hart/Glück–Eichendorff)
08. DIAMOND RIBBON (Clara Haberkamp)
09. WALDSTEIN-IMPROVISATION (Ludwig van Beethoven, arr. Clara Haberkamp)
10. WILD IS THE WIND [+ vocals] (Tiomkin–Washington)

Album-Erstveröffentlichung!

24 Bit / 192 kHz Audiophile Recording | HD-Mastering for CD
ADM-Mastering: Christoph Stickel, csmastering.com

Recording/Studio/Mixing/Mastering Setup:
Flügel: Steinway D-274 / Microphones/Preamps: Neumann U67 (original), Schoeps MK22, JJAZ custom made
Vocals Microphone/Preamp: Telefunken ELA251 (original), Chandler Limited REDD.47
Room & Ambience Microphones/Preamps: DPA 4006As, JJAZ custom made, RME Micstasy
Mixing & Mastering: Digital & Analogue (Studer 963 console custom-made, VertigoSound, TubeTech, Avalon, SPL, Neve, JJAZ)

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Markus Stockhausen – trumpets, fluegelhorn, synthesizer, voice
Annie Barbazza – vocals
Fabio Mina – alto flutes, electronics, bass synthesizer
Fabrizio Ottaviucci – piano
Francesco Savoretti – percussion

Veröffentlichung 28. Februar 2026

Ein Album für Klang-Enthusiasten

Der Trompeter Markus Stockhausen ist ein äußerst experimentierfreudiger Musiker. Konventionen sind ihm fremd und so geht er mit seinem neusten Album, eingespielt in Tavernago (Emilia Romagna) mit vier italienischen Musikern, das Wagnis ein, auf zwei CDs knapp zwei Stunden improvisierte Musik aufzunehmen. Wer den Bundesjazzpreisträger 2021 (Blechblasinstrumente) schon einmal live erleben durfte, sollte kaum Bedenken haben, dass auch ein Impro-Album einiges zu bieten hat – und liegt damit richtig! Auch bei allen früheren durcharrangierten Kompositionen blieb immer noch genügend Freiraum, sich vom Moment leiten zu lassen, schließlich ist der klassisch ausgebildete Trompeter auch Jazzer.

Seine Spielkameraden hat er diesmal in Italien gefunden, wo er auf langjährige Musikerfreundschaften zurückgreifen konnte, aber mit Annie Barbazza auch auf eine Neuentdeckung stieß. Ohne Improvisationserfahrung fügt sie sich mit ihrer klaren ungekünstelten Stimme nahtlos und intuitiv in das Geschehen ein. Um sich ganz dem Moment und der jeweiligen musikalischen Stimmung hinzugeben, empfiehlt Stockhausen im beigefügten Booklet, das Album mit sehr guten Kopfhörern zu genießen. Ein guter Ratschlag, will man auch die feinen Details entdecken! Bereits bei der ersten Nummer „Who Has Seen the Wind?“ bläst der Wind (woodwinds) durch Fabio Mina’s Alto-Flöte, begleitet vom Klappenklappern seines Instruments. Atem, Simme und Klangfragmenten eröffnen den Einstieg in eine geheimnisvolle Welt hinter der Materie. Stockhausens Wunsch, mit Freude und Geduld, seinen inneren Bildern zu folgen, gelingt dem Zuhörer leicht, sofern er sich auf ein musikalisches Abenteuer einlassen kann.

Das neue Bewusstsein steckt jedoch noch in den Geburtswehen

Nach Stockhausens Überzeugung geschieht aktuell ein enormer Wandel im Energiefeld der Erde. Das alles geschieht sozusagen „Between Earth an Sky“. Diese neuen Energien führen im besten Fall zu mehr Harmonie und einer friedvollen Menschlichkeit. Ein neues Bewusstsein steckt jedoch noch in den Geburtswehen. „Es ist an uns, diesen Wandel mitzugehen und die Zukunft zu umarmen, deren Mitgestalter wir alle sind“, ist er überzeugt. Diese Haltung widerspiegelt sich in den Aufnahmen, die sich teilweise verdichten, um sich dann wieder komplett zu öffnen. Das Eintauchen in Stockhausen‘s Sphärenwelt ist durchaus genussvoll; keine melodienzerhackenden Beats, dafür schwebende Sounds, die die Instrumente in ihrer ganzen Bandbreite hergeben, sowie effektvoll eingesetzte Elektronik.

Dennoch fehlt es nicht an Dynamik und unerwarteten Wendungen. Über die Strahlkraft von Flügelhorn und Trompete sowie die Virtuosität des Protagonisten müssen hier nicht mehr viel Worte verloren werden; die italienische Band scheint voll und ganz im Stockhausen-Flow mitzuschwimmen und das Aussteigen aus dem „Reise“-Schiff wird lediglich durch Freejazz-ähnliche Fragmente im Outro-Stück „Ti ricordi?“ (erinnerst du dich?) möglich, die sich jedoch alsbald wieder auflösen. Also lieber an Bord bleiben bis der Zielhafen erreicht ist. Ein Album, das die Qualität innehat, bei wiederholtem entspanntem Anhören viel Neues zu entdecken. Passive Begleitmusik ist das gewiss nicht; dafür eröffnet ein aktives Zuhören neue Welten.

Bernd Epple

Portraits von Markus Stockhausen

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Axel Fischbacher – git
Nico Brandenburg – bass
Tim Dudek – drums
Tamara Lukasheva – voc
Ohad Talmor – sax

Veröffentlichung 8. Mai 2026

Jazz is a Call for Freedom

Das Axel Fischbacher Trio präsentiert mit „normal II“ ein neues Album, das auf langjähriger Zusammenarbeit, Offenheit und kultureller Vielfalt basiert. Neben Gitarrist Axel Fischbacher, Bassist Nico Brandenburg und Schlagzeuger Tim Dudek wirken Sängerin Tamara Lukasheva und Saxophonist Ohad Talmor mit. Die Musik verbindet klare Strukturen mit freien Improvisationen und spiegelt Werte wie Freiheit, Frieden und soziale Verantwortung wider. Das Projekt versteht Jazz nicht als neutral, sondern als künstlerische Haltung, die in einer politisch angespannten Zeit bewusst Position bezieht.

In einer Zeit verschärfter Sprache und vereinfachter Antworten setzt das Projekt auf Begegnung, Haltung und klare Positionen. Für Fischbacher ist Schweigen keine Option – Kunst müsse sich auch nach außen richten. Das Album trägt bewusst das Peace-Zeichen von 1969 als Erinnerung daran, dass Frieden einst radikal war und es heute wieder ist. Zusammenleben wird als fortlaufender, gemeinsamer Aushandlungsprozess verstanden, der sich auch auf der Bühne widerspiegelt.

Live 6.6.Hildener Jazztage

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Anna Webber – tenor saxophone, flute, alto flute
Sarah Rossy – voice, synthesizer
Chiquita Magic – Synthesizers, voice
John Hollenbeck – drums, glockenspiel, composition

Veröffentlichung 8. Mai 2026

Avantgardistische Synth-Pop-Jazz-Fusion

GEORGE – Looking for Consonance (OOYH 044), der Nachfolger des gefeierten Debütalbums Letters to George aus dem Jahr 2023, erschienen als LP/CD/Streaming bei Out Of Your Head Records. Die erste Single „George and Dee“ und die zweite „Porter“ waren bereits erschienen. GEORGE ist die Hauptband des Grammy-nominierten Schlagzeugers John Hollenbeck, zu der Anna Webber, Chiquita Magic und Sarah Rossy gehören. AllMusic bezeichnete GEORGE als „futuristische Progressive Fusion […] eine wahrhaftige Supergroup“. Pitchfork lobte Letters to George für „seine einzigartige Mischung aus Vintage-Funk und futuristischer Electronica“.

Die erste Tournee mit dem Material aus Looking for Consonance im März 2026 erhielt überwältigend positive Kritiken. Das bevorstehende Frühjahrsprogramm umfasst ein Album-Release-Konzert in New York City im Long Play am 3. Mai sowie Auftritte beim Solid Sound Festival von Wilco, dem Montreal Jazz Festival, dem Angel City Jazz Festival und dem Earshot Festival. Über die „Solar Myth“-Performance schrieb JazzTimes: „Der Komponist und Schlagzeuger/Percussionist John Hollenbeck überrascht immer wieder auf spannende Weise, denn selbst seine komplexesten oder formlosesten Songstrukturen sind ganz dem Groove verschrieben – sei es ein kaum wahrnehmbarer Puls oder ein kraftvoller Herzschlag.“ Auf Looking for Consonance setzt GEORGE seinen ganz eigenen Weg der avantgardistischen Synth-Pop-Jazz-Fusion fort, den keine andere Band so geht wie sie.

John Hollenbeck über das Album

Der Titel „Looking for Consonance“ kam mir eines Tages in den Sinn, als ich darüber nach-dachte, wie ich diese Musiksammlung nennen könnte. Dieser Titel fühlte sich sofort wichtig an, also ließ ich ihn auf mich wirken. Ich dachte, ich wüsste, was Konsonanz in der Musik bedeutet, aber ich wusste auch, dass sie andere Bedeutungen hat – solche, die weit über den Klang hinausgehen. Websters Wörterbuch definiert Konsonanz als „die Harmonie oder Übereinstimmung von gleichzeitig erzeugten Klängen, die zu einem angenehmen und stabilen Hörerlebnis führen.“

Das Wort, das mir dort am meisten auffällt, ist „stabil“. Ich glaube, wir alle suchen nach etwas, das Stabilität vermittelt. Einigkeit und Harmonie wären wunderbar – aber eine solche Harmonie würde erfordern, dass die Menschen einen Teil ihrer eigenen Gewissheit, ihrer eigenen Meinungen aufgeben. Und mir ist bewusst, dass selbst Gesten, die das Leben würdigen sollen, Widerstand oder Anstoß erregen können, wie es bei der Namensgebung dieser Band der Fall war, unserem Tribut an George Floyd.

Jedes Mitglied bringt eine einzigartige Stimme mit ein:

Anna Webber verbindet Avantgarde-Jazz und zeitgenössische Klassik mit furchtloser Präzision und ausdrucksstarker Tiefe.

Sarah Rossy verschmilzt Live-Elektronik, Jazz und globale Folk-Traditionen zu ätherischen, sozial engagierten vokalen Klanglandschaften.

Chiquita Magic vereint mikrotonale Synthesizer, lateinamerikanische Rhythmen und Electro-Pop-Futurismus zu rhythmisch aufgeladenen, tanzbaren Klangtexturen.

John Hollenbeck, sechsmaliger GRAMMY-Nominierter und Guggenheim-Stipendiat, ist dafür bekannt, genreübergreifende Ensembles zu formen, die kompositorische Strenge mit groove-basierter Unmittelbarkeit in Einklang bringen. Gemeinsam präsentieren sie Musik, die einfallsreich und zugleich zutiefst menschlich ist – groove-orientiert, emotional reichhaltig und sofort mitreißend.

TRACKS 

01. bounce 10:03
02. Lewis (dedicated to George Lewis) 8:14
03. Nassam Alayna-LHawa (a diasporic offering for peace) 4:50
04. George and Dee (dedicated to George and Dee Gamble) 3:23
05. Georgist 4:14
06. Porter (10,000 men named George) 2:39
07. Norma (in support of reproductive autonomy) 4:15
08. Unicornio (for the Global South, in movement and resilience) 5:43
09. Johnson (dedicated to George F. Johnson) 3:27
10. Wayne Phases (dedicated to Wayne Shorter) 11:52

Recorded at Hansa Studios November 5-6, 2024
Engineer: Nanni Johansson, Assistant Engineer: Frida Claeson Johansson
Mastered by: Frida Claeson Johansson
Art + Design + Photography by TJ Huff

All songs composed by John Hollenbeck except for #3 composed by Assi and Mansour Rahbani/arranged by John Hollenbeck and #8 composed by Silvio Rodriquez/arranged by John Hollenbeck.

jazzreportagen.com: GEORGE ist ein von John Hollenbeck gegründetes Quartett, das analoge Wärme und digitale Präzision zu einem einzigartigen Mix aus Funk, Electronica, Jazz und Art-Pop verbindet. Benannt zu Ehren von George Floyd und anderen prägenden „Georges“, begeistert die Band live mit emotionaler Tiefe und einer überraschend großen Klangvielfalt.

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Lorenzo Vitolo – piano and synths
Josh Schofield – alto and soprano saxophone
Joan Codina – acoustic bass
Paulo Almeida – drums, vocals, percussion

Jorge Rossy – vibes in Ipê
Lisette Spinnler – vocal in Nenhum Talvez

Veröffentlichung 24. April 2026

Auseinandersetzung mit Struktur, Atem und Interaktion

In Brasilien aufzuwachsen bedeutet, mit Rhythmus aufzuwachsen. Er ist Teil des Alltags – in der Sprache, bei gemeinschaftlichen Zusammenkünften, religiösen Zeremonien und in der Art, wie Musik gelernt und geteilt wird. Auf seinem sechsten Album leugnet Almeida diese Grundlage zwar nicht, versteift sich aber auch nicht darauf. Anstatt den Groove in den Mittelpunkt zu stellen, schafft er ein neues Gleichgewicht zwischen den verschiedenen Elementen der Musik.

Der mittlerweile in Basel lebende Schlagzeuger Paulo Almeida geht an das Komponieren ebenso fließend heran, wie er sich zwischen Kontinenten und Traditionen bewegt, und Love in Motion macht diesen Prozess hörbar. Das Studioalbum entstand während einer intensiven Phase am Klavier, in der er Ideen gesanglich durchspielte, bevor er sie auf das Schlagzeug und seine Band übertrug. Almeida arbeitet am liebsten auf diese Weise. Er nutzt seine Stimme nicht als Verzierung, sondern als kompositorisches Werkzeug, um eine Richtung zu formen und zu phrasieren, noch bevor auch nur ein einziges Schlagzeugmuster feststeht.

Das Singen begleitet ihn seit seiner Kindheit, und hier wird dieser Hintergrund unmittelbar spürbar. Er fügt sich ganz natürlich in seine Herangehensweise an das Schlagzeug ein. Anstatt es als rein rhythmischen Motor zu betrachten, versteht Almeida es als Instrument der Klangfarbe, der Kontur und der melodischen Präsenz. Das Schlagzeug gibt nicht einfach nur den Takt vor; es ist an dessen Gestaltung beteiligt und reagiert auf Atem und Phrasierung, anstatt eine Struktur aufzuzwingen.

Die Musiker

Dieser Ansatz setzte sich auch im Aufnahmeprozess fort. Das Album entstand in Zusammenarbeit mit Musikern aus Almeidas engstem Kreis in Basel – Musikern, die seine Sprache verstehen, darunter Lorenzo Vitolo, Josh Schofield und Joan Codina, sowie ein Gastauftritt des einflussreichen und international anerkannten Jorge Rossy. Die Sessions wurden weniger von festen Arrangements als vielmehr vom gegenseitigen Zuhören und kollektiven Abstimmen geleitet. Die Rollen innerhalb der Band wechseln auf subtile Weise, und die Musik entfaltet sich eher durch gemeinsames Gespür als durch Hierarchien.

In diesem Zusammenhang bildet Almeidas langjährige Verbindung zum brasilianischen Komponisten Hermeto Pascoal einen roten Faden. Da er an Orten studiert hat, an denen Pascoals Musik im Mittelpunkt stand, und mit Musikern aus dessen Umfeld zusammen-gearbeitet hat, führt Almeida diese Tradition hier fort und bewahrt dabei die Unmittelbarkeit und spirituelle Offenheit, die Pascoals Einfluss auf ihn seit jeher geprägt haben.

Love in Motion präsentiert Almeida nicht unter einem einzigen stilistischen Etikett, sondern durch eine fortwährende Auseinandersetzung mit Struktur, Atem und Interaktion. Das Stück vereint brasilianische Wurzeln, einen europäischen Kontext und ein klares Bewusstsein für die eigene Tradition und zeichnet so ein fokussiertes Porträt eines Künstlers, der seine Ausdrucksweise verfeinert, dabei aber stets eng mit ihren Ursprüngen verbunden bleibt.

Almeida über seine Tracks

„Burning Skin“ – Ich habe diesen Song in einer Zeit geschrieben, in der ich mit Angstzuständen zu kämpfen hatte, und eines der Symptome war ein brennendes Gefühl auf meiner Haut. Die Melodie ist stark von Hermeto Pascoal beeinflusst, der mich mein ganzes Leben lang inspiriert hat.

„Um Sopro“ – Dieser Song entstand aus der Reflexion darüber, dass das Leben wie ein Atemzug ist – „sopro“ auf Portugiesisch. Die Musik wurde von den Ideen von Malcolm Braff inspiriert, einem Komponisten, mit dem ich auch das Vergnügen hatte, zusammenzuspielen.

„Lembranças do Boi“ – Dieses Stück wurde von der brasilianischen Kulturbewegung „Boi do Maranhão“ sowie vom Impressionismus inspiriert, bei dem Rhythmus und Melodie manchmal die Rollen tauschen.

„Nenhum Talvez“ (Hermeto Pascoal) – Dieser Song wurde erstmals von Miles Davis aufgenommen, nachdem er Hermeto Pascoal kennengelernt hatte. Da Hermetos Musik mich tief geprägt hat, habe ich ihn zu seinen Ehren aufgenommen und die wunderbare Schweizer Sängerin Lisette Spinnler eingeladen, mich dabei zu begleiten.

„Wintermorgen“ – An einem Wintermorgen während der Entstehungszeit des Albums kam mir diese Melodie auf einmal in den Sinn. Ich schickte sie an Lorenzo Vitolo, um zu erfahren, wie er sie harmonisch umsetzen würde, und so begann unsere erste Zusammenarbeit.

„Resilienz“ – Dieses Stück entstand in einer Zeit, in der ich über die Jahreszeiten in Europa nachdachte. Da ich aus Brasilien stamme, war der Winter etwas Neues für mich und erforderte Widerstandsfähigkeit. Ich habe diesen Gedanken auch mit Claude Monets „Les Nymphéas“ verglichen – in der Überzeugung, dass ein Musikstück, genau wie diese Gemälde, bei jeder Aufführung ein neues Licht auf sich werfen kann.

„Saudade“ – „Saudade“ ist eines der schönsten Wörter im brasilianischen Portugiesisch, und es lässt sich nur schwer genau übersetzen. Ich habe diesen Song in einem nachdenklichen Moment geschrieben, als ich Heimweh nach meiner Heimatstadt, meinen Freunden und meiner Familie hatte.

„Ipê“ – Ipê ist der indigene Name eines brasilianischen Baumes und eine der ältesten Kompositionen auf diesem Album. Für dieses Stück habe ich den großen Meister und Freund Jorge Rossy eingeladen, mit uns zu spielen.

„Saci“ – Saci ist eine legendäre Figur der brasilianischen Kultur – ein einbeiniger Schelm, der durch den Wald hüpft und ihn beschützt. Dieser Song versucht, diesen Geist einzufangen. Im zweiten Teil habe ich mich stark von Paul Motian inspirieren lassen.

TRACKS 

1. Burning Skin 4.37
2. Um Sopro 6.46
3. Lembranças do Boi 5.23
4. Nenhum Talvez 5.50
5. Winter Morning 5.15
6. Resilience 4.19
7. Saudade 2.12
8. Ipê 5.52
9. Saci 5.12

All compositions by Paulo Almeida, except „Nenhum Talvez“ from Hermeto Pascoal and „Winter Morning“ in partnership with Lorenzo Vitolo.
Produced by Paulo Almeida.
Recorded by Guillem Salles at Jazz Campus in Basel in April 2025. Mixed and mastered by Thiago Monteiro.

Über Paulo Almeida

Paulo Almeida ist ein brasilianischer Schlagzeuger, Perkussionist und Komponist, der in Basel lebt. In den letzten zehn Jahren hat er sich als unverwechselbare Stimme in der brasilianischen Instrumentalmusikszene etabliert, indem er afro-brasilianische Rhythmen mit einem sehr melodischen Ansatz am Schlagzeug verbindet. Er begann seine musikalische Ausbildung in São Paulo und setzte sie später am Konservatorium von Tatuí fort, wo er sowohl klassische als auch populäre Musik studierte und auf zahlreichen Festivals spielte.

Als Instrumentalist ist Almeida weltweit bei bedeutenden Festivals und in Jazzclubs aufgetreten und hat mit Künstlern wie Hermeto Pascoal, Dhafer Youssef, Guillermo Klein, Lionel Loueke, Wolfgang Muthspiel, Jorge Rossy, Anat Cohen, Ralph Alessi, Filó Machado und Leny Andrade zusammengearbeitet. Neben seiner Tätigkeit als Bandleader unterrichtet er am Jazzcampus Basel und ist weiterhin in einer Vielzahl von Projekten in ganz Europa aktiv. Zu seiner Diskografie als Bandleader zählen „Constatações“ (2013), „Corpo e Alma“ (2017), „Parceria“ (2017), „Unity – Live at Bird’s Eye Jazz Club“ (2020) und „Oferenda“ (2023).

jazzreportagen.com: Der brasilianische Schlagzeuger Paulo Almeida verbindet auf seinem Album Love in Motion seine rhythmischen Wurzeln mit einem gesanglich geprägten Kompositionsstil, bei dem das Schlagzeug weniger als Taktgeber, sondern vielmehr als melodisches, farbenreiches Instrument im fließenden Zusammenspiel mit seiner Band fungiert. Hörenswert!

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